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音樂類型基礎知識(下)

跳躍藍調 (Jump Blues)
在搖擺年代,大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和“布吉沃吉(Boogie-Woogie)鋼琴”全部結合起來,成為“跳躍藍調”。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時,更強調了旋律。Slim Gaillard 則“說”唱出另人捧腹的超現實主義歌曲(通常是關於食品),而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調,同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕鬆的 Nat Cole 的爵士三人組影響,用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調(R&B)和搖滾使成為美國派對的主流音樂,後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。
口琴藍調 (Harmonica Blues)
由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 宣導——然後由 Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版,而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中,Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。

電子藍調 (Electric Blues)
只要插了電,就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標誌,它也同樣以電貝司為標誌——拾音器(用來放大原聲樂器的一種裝置)被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。

三角洲藍調 (Delta Blues)
三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏,是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters,口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲,通常獨奏,也有一些小的組合,如 Willianson 的各種組合,也曾有過灌錄。

經典女性藍調 (Classic Female Blues)
女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith,她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性,但同樣真實地反映了她們的生活與關係。

鄉村藍調 (Country Blues)
是一種起源於美國南方和中西部的大部分由原聲吉它演奏的藍調。鄉村藍調利用了從早期的滑音吉它到指撥演奏的獨奏、二重奏和絃樂合奏。先鋒者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 創導了這種現已不存在的風格。以後的電子吉它使之平穩地轉變成電子和現代的鄉村藍調。

綜藝藍調 (Vandeville)
在綜藝表演的最初年代,眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出(頗具諷刺意義的是,他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲)。因為主流的排斥,黑人藝術家們組成了自己的圈子,在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇碼。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等,但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾,於是加入了戲劇和舞蹈的成分,使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於顛峰狀態。

城市藍調 (Urban Blues)
城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。“城市藍調”一詞最初是為了與鄉村藍調區別,到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣,包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。

德克薩斯藍調 (Texas Blues)
德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代,很大程度地從鄉村音樂過度,只是濾去了鼻音。它節奏鬆散,也稱“德克薩斯拖拍”,在拍子後面拖擺一點。歌詞方面,擺脫了“強作愁”的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律,一把吉他而不是吉他合奏。然而,德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化,主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影響,他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後,T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕鬆的德州傳統。

沼澤藍調 (Swamp Blues)
因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地,用口琴、吉他演奏,出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果,沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim,活潑如 Lazy Lester 的口琴。

靈魂藍調 (Soul Blues)
一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物,靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂,靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線,又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。

鋼琴藍調 (Piano Blues)
各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏,只要是用鋼琴演奏的藍調,那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的範疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。

紐約藍調 (NY Blues)
成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開,當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。正當呐喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂,Erskine Hawkins 和 Eddie “Cleanhead”Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。

新奧爾良藍調(New Orlean Blues)
顧名思義即知,藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子(英語“藍調”blues有憂傷的含義)。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律(尤其是倫巴)和一些美國南方音樂色彩,只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕鬆休閒,也可捶胸跺腳地豪放,有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人,用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。

孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
當 W.C. Handy 寫“Memphis Blues(孟菲斯藍調)”時,他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的 Beale Street 初生,從眾多“陶瓶樂隊(jug band)”和綜藝表演衍生而出,Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗曠而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法:主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——這種方法至今已成為標準方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格,是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲,對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。

爵士藍調 (Jazz Blues)
爵士藍調有著堅實的藍調根基,但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品,到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調,還有 Ray Charles 的激情蕩漾而又博采百風的鋼琴藍調。

民謠藍調 (Folk Blues)
民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響,被許多人認為是美國最原創的音樂。儘管早期美國藍調也同樣的深入大眾,但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來,而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。

原聲藍調 (Acoustic Blues)
不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究(五弦琴)到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲(Delta)、新奧爾良、德克薩斯、等等;也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的,還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。

早期美國藍調 (Early American Blues)
這一範疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片品質通常並不那麼理想,但充滿著深切感情,繞梁三日.

淺談古典音樂
古典音樂被很多人認為深奧難懂,許多人都不敢或者說是不願意接受古典音樂;許多願意嘗試接受它的人又不知如何開始欣賞古典音樂。其實對待古典音樂,未必每個人都要象學者般研究它,也未必要具有高深的音樂知識。只要肯嘗試接觸,就是非常好的開始。只要喜愛古典音樂,隨著接觸的時間增加,自然你就知道如何欣賞學習了。一個古典音樂的愛樂者,在接觸音樂作品時應該具備的基本概念是:人類的藝術是一種需要經過瞭解、溝通,才能夠真正進入欣賞層次的心靈活動,美術、建築、雕刻、音樂皆然。不可諱言的,這當中必定得花去一點兒時間做些功課才行,惟很多入門的人才一聽到要做功課,就立刻打起退堂鼓來了。其實,做音樂功課是一點兒也不困難的,也沒有什麼太大的麻煩,一般來說,淺顯的認知即已足矣,只要手上擁有簡述樂派風格的資料或書本,從中獲知各樂派音樂風格的特徵即可。
    首先,你需要一本很好的音樂辭典等工具書,如:“外國音樂辭典”、“古典音樂欣賞”、“音樂聖經”、“CD指南”等。以便對西方音樂史、作曲家等有一初步的認識,瞭解西方音樂史不同時期的各種流派的劃分,主要作曲家及代表作。
   
   
中世紀時期(MEDIEVAL PERIOD)(1450年前)。這個時期以教堂音樂為主, 大多是單聲部音樂,如格裏高利素歌(GREGORIAN CHANT)等,由於時間的久遠, 人們已經無法知道具體的作曲家的姓名。

    文藝復興時期(RENAISSANCE PERIOD)(1450-1600年)。這個時期是人類藝術的再生,音樂的理論及實踐得到極大的發展,以聖經故事為主,創作了大量的教堂音樂,彌撒曲、安魂曲等。

    巴羅克時期(BAROQUE PERIOD)(1600-1750年)。這一時期音樂有了長足的發展,產生了一批偉大的音樂家,如J.S.BACH,G.F.HANDEL,A.VIVALDI等。

    古典主義時期(CLASSICAL PERIOD)(1750-1820年)。這一時期作曲家按曲 式與結構方面的某些基本傳統概念作為表達樂思的自然構架,F.J.HAYDN。W.A. MOZART,L.BEETHOVEN是這一時期的傑出代表。

    浪漫主義時期(ROMANTIC PERIOD)(1820-1910年)。最廣義地講,從古典主義時期到浪漫主義時期的轉變,可以說是從共性到個性的重點的轉移。這一時期的風格與技術的變化可以清晰地在三方面看出:一是和聲,變化音迅速發展;二是樂隊;三是樂器演奏技巧。另外的一些變化如旋律風格的變化(小型曲式更為抒情,大型曲式更為華麗);節奏風格的變化(節奏更為誇張);以及曲式上的變化(更 多地追求織體的前後連貫,主題更加“有機”地發展和演化)。可以說這是音樂史上百花齊放的時期,這一時期造就了無數的作曲家。

    20世紀及以後(1900-現在)。這一時期產生了新古典主義、新浪漫主義、印象主義等流派。

(採納二樓建議)作補充:
    中世紀時期(Medieval Period)(1450年前)
    這一時期主要是羅馬天主教會所保存的在教堂中廣為演唱的單聲部歌曲集。大多用於兩種禮拜儀式:一是彌撒,歌詞為紀念基督最後晚餐及其獻身事蹟,這是教堂儀式的中心;二是日課,就是修道院每天詠唱的八課聖事,主要以詩篇為主。 推薦:GREGORIAN CHANT
   
    巴羅克時期(Baroque)(約為西元1600—1750)

    這一時期的音樂是現代演奏會的先河。作曲家手下的巴羅克音樂帶有顯見的特性: 華麗、複雜、藻飾、扭曲, 著重于超現實和雄偉宏奇, 這些特質都能彼此融會貫通。如果說文藝復興時代(以及後來的古典時代)代表著井然的秩序和澄澈的表現, 那麼巴羅克時代 (及後來的浪漫時代)就是代表著騷動、不安和疑慮。四聲部的和聲, 以及加上文字指示和絃的「數位低音」 (figured bass) 都產生於巴羅克時代;舊有的教會調式消逝, 大小調音階系統和沿用至今的相關調性之崛起, 是巴羅克時代大事。另外, 節奏思想也在這個時代萌芽, 也就是在音樂曲譜中加入小節線。這些形式日後直接衍生為奏鳴曲、交響曲、協奏曲、前奏曲與變奏曲。不過巴羅克時代也不乏一些自由的曲式--如觸技曲、幻想曲、序曲和主題模仿(古幻想曲) 。

    古典主義時期(Classicl)(約西元1750—1820)
    因為這一時期的三位代表性人物:海頓,莫札特,貝多芬的生活與創作主要都在維也納,因此又被稱為“維也納古典樂派”或“維也納古典主義音樂”。此時期作家中,莫札特的小夜曲、嬉游曲等都很具親和力。海頓的第一、二號大提琴協奏曲也會是很適合入門者欣賞的曲目。至於貝多芬的作品,轟轟烈烈的音響俯手可得,個人比較欣賞他的小提琴奏鳴曲《春》、鋼琴奏鳴曲《悲愴》、《熱情》、《月光》。

    浪漫主義時期(Romanticism)(約為西元1820—1900)
    這一時期的音樂更注重表達人的精神境界與主觀感情,對自然景物的表現也愈加突出,創作上對民族和民間音樂的利用更加重視與頻繁。19世紀中後期出現了以振興本民族音樂為己任的民族樂派。在音樂體裁上出現了新的器樂獨奏體裁,如夜曲,即興曲,敍事曲,諧謔曲,幻想曲與無詞歌等。此時期作品風情萬種,各自獨具特色,入門曲目有舒伯特藝術歌曲精選、《美麗的磨坊少女》;蕭邦夜曲、鋼琴協奏曲第二號;孟德爾松小提琴協奏曲、鋼琴協奏曲第一、二號;華格納歌劇序曲集;布拉姆斯交響曲第一、三號;柴可夫斯基小提琴協奏曲第一號、鋼琴協奏曲第一號;拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲第二號、《帕格尼尼主題與變奏》;拉羅《西班牙交響曲》;拉威爾鋼琴協奏曲G大調。

    20世紀的作品有布列頓的《青少年管弦樂指引》、《小交響曲》,斯特拉文斯基的《保欽奈拉》、《彼得洛希卡》,以及普羅科菲耶夫的鋼琴奏鳴曲第七號、鋼琴協奏曲第一號。在此推薦德國作曲家亨德密特的《韋伯主題交響變奏曲》、《畫家馬席斯》交響曲,以及美國作曲家科普蘭的《馬術競技會》、《一個平凡人的號角》。

搖 滾 樂 分 類

給博大精深的搖滾樂分類其實是很愚蠢的,也是片面的、主觀的。不過這裏分類整理的目的是方便大家對搖滾樂有一個大體上的瞭解。

硬搖滾(Hard Rock)
60年代初由布魯斯發展起來的一種搖滾樂風格,具有比較強烈的吉他失真,吉他比較複雜,主音吉他成分較多,布魯斯味比較濃。最早的搖滾樂隊如ROLLING STONES,The WHO,BLOOD SWEAT & TEAR等,以及後來的LED ZEPPELIN,AC/DC,CHEAP TRICK等可以說是硬搖滾樂隊。硬搖滾與重金屬通常不太容易區分,不同的人有不同的區分方法。有人認為70年代以前的叫硬搖滾,70年代以後的叫重金屬;有人認為吉他失真小一點的是硬搖滾,吉他失真強一點的是重金屬;有人認為頭髮半長不短的是硬搖滾,長頭髮的是重金屬;還有人認為美國樂隊是硬搖滾(美國人把METALLICA叫做硬搖滾樂隊),其他國家的就是重金屬;我的看法是節奏吉他表現力比較弱的是硬搖滾,節奏吉他的riff表現力強且成為歌曲主導力量的是重金屬。不過也沒有必要區分的這麼清楚,硬和重,都是我們喜歡的音樂氣質啊。

重金屬(Heavy Metal)
60年代末由布魯斯和硬搖滾發展起來的一種搖滾樂風格,具有金屬質感的吉他失真和反復的吉他riff是重金屬最主要的特徵,重金屬涵蓋的範圍非常廣泛,而且類別繁多,是70年代以來搖滾樂最大的一個分支,也可以說是最正統的搖滾樂。典型樂隊包括BLACK SABBATH(第一支重金屬樂隊),MOTORHEAD,IRON MAIDEN,SLAYER,BATHORY,DEATH,DARKTHRONE等等。重金屬與硬搖滾通常混為一談,參見硬搖滾。重金屬這個詞曾經被濫用過一時,80年代不少流行金屬甚至流行搖滾都被冠以“重金屬”一稱,不少人就此被誤導。在我們這裏,重金屬具有更為廣泛的意義。但有時“重金屬”這三個字也專指那些最典型的重金屬樂隊如OZZY OSBOURNE,ACCEPT,JUDAS PRIEST等,他們通常很難劃分到任何一個派別中去,只好乾脆就稱之為重金屬。

金屬(Metal)
由於80年代流行金屬甚至流行搖滾的氾濫,“重金屬”這個詞被用得過濫,一提到重金屬,人們首先反應到的是BON JOVI,GUNS 'N ROSES這樣的樂隊,仿佛他們就代表了重金屬音樂。於是有不少樂隊和樂迷開始反感“重金屬”,他們開始將那些更為核心和更為硬朗的重金屬音樂稱為“金屬”樂,也就是說,“金屬”比“重金屬”更重和更硬朗。不過後來這個詞漸漸成為一種氣質的象徵,從而變得更為抽象而不容易解釋,這是一種思想、形象、音色、編曲上的綜合特徵。譬如我們可以說早期的METALLICA金屬味就比較濃,而後來就幾乎沒有了;我們也可以說在80年代流行金屬中,WASP是比較金屬的;還可以把BLACK SABBATH稱為金屬樂隊,而LED ZEPPELIN我們頂多能說是一支重金屬樂隊;JUDAS PRIEST,IRON MAIDEN,OVERKILL等都是具有強烈金屬氣質的,而AC/DC,DEF LEPPARD,SLAYER的金屬氣質就弱一些(因為他們分別帶有較強的布魯斯、流行和朋克意味);死亡金屬是極端金屬中最metal的,因為Grindcore朋克味濃,黑金屬的音色太髒——總之,這確是一個難以言傳的詞。

酸性搖滾(Acid Rock)
即迷幻搖滾,盛行於60年代中、後期,是嬉皮士運動的產物之一。其音樂特色是震耳欲聾的強烈節奏、尖厲響亮的電吉它單人或雙人演奏。不同於重金屬搖滾,迷幻搖滾沒有一定的曲式,即興演奏的成分較多,其無旋律的音調變化多端,常常富有精彩華妙的表現。"酸性"(acid)一詞是迷幻劑LSD的俚語代名詞,酸性搖滾因為具有狂熱的迷幻音樂特點,故有其名。

雷鬼(Reggae)
一種由斯卡(Ska)和洛克斯代迪(Rock Steady)音樂演變而來的牙買加流行音樂。事實上,很難在洛克斯代迪和雷鬼之間劃出明確的界限。只是後者較前者更為細膩,更多地使用電聲樂器和更加國際化。如果說斯卡音樂還只是在美國流行音樂的影響下產生的一種拉美流行音樂的話,那麼雷鬼則已發展成為歐美搖滾樂主流中的一種重要體裁了。起源於牙買加,70年代中期傳入美國。它把非洲、拉丁美洲節奏和類似非洲流行的那種呼應式的歌唱法,與強勁的、有推動力的搖滾樂音響相結合。

藝術搖滾(Art Rock)
於70年代後流行,主要在歐洲,英國人領頭,如“穆迪布魯斯”(Moody Blues)樂隊,但在美國也有影響。藝術搖滾把搖滾與古典音樂結合起來,利用電子設備演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品,又稱“進步搖滾”(Prosressive rock)。一種試圖將古典音樂融入其中的搖滾樂。其特徵為:結構較為龐大,和聲語言較為複雜,並常借用古典音樂中的主題作為素材。 "藝術搖滾"於60年代興起於英國的一些受過古典音樂薰陶的搖滾音樂家中間。"披頭士"樂隊的《佩普軍士孤心俱樂部樂隊》概念專集唱片被認為是"藝術搖滾"的先驅。 70年代中,美國也出現了類似的傾向。"艾莫森、雷克與帕爾莫"(Emerson, Lakeand Palmer)樂隊將穆索爾斯基的《圖畫展覽會》改編為搖滾樂;Yes樂隊在《接近邊緣》中運用了古典奏鳴曲式。著名的美國樂隊還有"紐約玩偶"(new York dolls),"路.裏德"(Lou Reed)和"帕蒂.史密斯"(Patti Smith)。他們不強調搖滾樂與古典音樂的表面聯繫,而注重音樂邏輯的嚴密與音樂素材的簡練、統一,並由此啟迪了朋克音樂與新浪潮音樂的產生。

朋克搖滾(Punk Rock)
70年代中後期盛行的一種流行音樂流派也是著名的音樂運動。其主旨有二:反對富足的中產階級和上流社會及反對當時的主流搖滾形式和商業的作法。朋克樂的著名樂隊是英國的Sex Pistols。它以攻擊性的演出、令人討厭的舞臺行為、釘型的髮型、撕破的衣服、滿口的髒話和政治上不穩定的歌曲為最明顯的特徵。對朋克樂隊而言,精神和堅信常常比音樂技能來得更為重要。在當時,樂壇自鳴得意的傾向威脅到音樂素質的下降,朋克運動的興起一定程度地振興了搖滾樂。實質上朋克樂也並非象一貫評論所述的那樣無旋律可言,很多精彩的作品對後來者產生了相當大的影響。代表性樂隊:
Clash, Sex Pistols

輕柔搖滾(Soft Rock)
輕柔搖滾產生于70年代初的一種搖滾樂,最初是指那些不用電聲樂器,以民謠為基礎的搖滾樂。後來,那些雖然使用電聲樂器,但旋律優美平滑的搖滾樂也稱為輕柔搖滾。這種音樂在美國唱片工業界被稱為“中間路線” 廣義上的輕柔搖滾泛指一切帶有柔和的搖滾節奏並使用電聲樂器的抒情歌曲,與Pop(流行曲)相似,港臺大部分流行歌曲都可歸入輕柔搖滾的範疇。

流民謠搖滾(Folk Rock)
基於民歌的結構和主題,適於民謠樂器和技術演奏改編的搖滾音樂。這種音樂集中體現於Bob Dylan的作品,Bob在民謠音樂中採用了電吉它、鼓、鍵盤等樂器,形成了獨特的風格,他的音樂在60年代初期受到民謠純化論者的強烈抨擊。另一著名民謠搖滾團體是The Byrds。它受Beatles活潑的流行作品影響,對早期民謠和藍草音樂進行了改造而獨樹一幟。行音樂的一種流派。主要指那些60年後期、70年代和80年代早期為大家所熟悉的,主流搖滾明星的音樂。

非主流搖滾(Alternative Rock)
一種搖滾音樂形式。是80年代前期和中期,"搖滾團體"與"重金屬"停滯不前後發展而成。具有更充滿能量且獨有特色的聲音,不強調音樂的外在表現而強調離奇的音樂獨創性。

山地搖滾(Rockabilly)
一種將鄉村音樂中的弦樂音響與“節奏與布魯斯”音樂的曲式結構和歌詞風格揉為一體的白人搖滾樂形式。流行於50年代中後期。其特徵為:主奏電吉他音響豐滿而略帶鼻音,低音提琴以手掌擊弦,奏出活躍的低音線條,節奏吉他刮奏出清晰的節奏型,不時加入一些簡單的打擊樂節奏。演唱中常出現靈巧的尖聲喊叫、時斷時續的阻嗝聲,並夾雜著椰榆、嘲諷的語氣。普萊斯利50年代中期在孟菲斯為“太陽唱片公司”灌錄的一些歌曲確立了山地搖滾的風格。

重 金 屬 分 類
Black Metal 黑色金屬

以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求,通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬,除了傳統重金屬固定樂器之外,經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴,或歌劇的女高音,在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。“黑金屬”以來自北歐的重金屬團體最具代表性。 代表性樂隊:Emperor, Mayhem, Enslaved, Dark Funeral

Death 死亡金屬
樂風以“鞭擊金屬”或“碾核”為其背景演化而成。電吉他快速的反復,幾無旋律的和絃,速擊狂踩的雙大鼓,主唱咬牙不清的低吟狂吼,歌詞以死亡仇恨為主題,充滿了屍體、內臟、肢解、分屍、戀屍癖、食屍、虐待等變態字眼。“死亡金屬”以來自佛羅里達州的重金屬樂隊最具代表性。 代表性樂隊:
Death, Carcass, Cannibal Corpse, Suffocation

Doom 毀滅金屬
節奏和速度都很慢,非常得慢。較不激烈也不大具有攻擊性,但仍是相當擁有重量感的音樂。通常具有非常乾淨的音樂和歌聲,但有時也有粗暴野蠻的聲音出現。 代表性樂隊:
Solitude Aeturnus, Cathedral, Candlemass

Glam Metal 華麗金屬
通常指一個重金屬樂隊的舞臺表演方式或外在形象以誇張的濃妝豔抹或俊俏的外型來吸引樂迷,這類的樂隊大多是偶像團體。“華麗金屬”的樂風不會太重,歌詞也無太深入之含義,屬於較流行的重金屬音樂,是主流金屬的分支。 代表性樂團:
Kiss, Poison, Warrant, Twisted Sister, Motley Crue

Grindcore 
類似“朋克”但極具重量的音樂,主唱低鳴深沉的狂吼咆哮、電吉他超麻辣的音色再加上極快速的反復節拍及密集鼓點,構成一種幾無旋律的重金屬樂風,樂曲的長度都很短,從兩秒鐘到三分鐘不等。“碾核”為一種極為冷僻的重金屬樂風,大多數“死亡金屬”樂隊都採用此一樂風。 代表性樂隊:Napalm Death

Grunge
另類搖滾的同義詞。起源於西雅圖的類金屬(metal-like)另類搖滾,基本上Grunge屬於另類搖滾而不應歸類到重金屬之下。代表性樂隊:Nirvana, Pearl Jam, Mudhoney, Alice In Chains

Hardcore
源自於“朋克”,歌詞直言不諱粗鄙不堪,音樂如同噪音一般。

Heavy Metal 重金屬
“重金屬”必須具備狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、電吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓點和低沉有力的貝司填滿整個聽覺的背景空間,而構成一種含有高爆發力,快速度,重量感及破壞性等元素的改良式搖滾樂。通常泛指傳統的主流派重金屬或無法分類到其他重金屬流派裏的重金屬樂。代表性樂隊:
AC/DC, Accept, Judas Priest, Iron Maiden, W.A.S.P.

Industrial Metal 工業金屬
採用大量冰冷的電腦採樣音效,穿插以機械或金屬器具的撞擊聲代替傳統打擊樂器,加上電子式的節拍,是很象科技舞曲的重金屬樂,但仍保留重金屬的大量失真效果。代表性樂隊:
Fear Factory, Ministry, Nine Inch Nails

Neo-Classical 新古典金屬
受古典音樂極深,在重金屬樂中加入大量古典音樂元素。 代表性樂隊:
Angra

Pop Metal 流行金屬
在重金屬搖滾中加入流行音樂之元素,可說是重金屬搖滾和流行音樂妥協結合的折中產品,是極易為主流市場之音樂消費者所接受的重金屬搖滾樂。 代表性樂隊:
Def Leppard, Mr Big, White Lion

Power Metal 強力金屬
擁有類似“速度金屬”的速度和“鞭擊金屬”的重量壓迫感,但旋律性不及“速度金屬”,爆發力也不及“鞭擊金屬”。代表性樂隊:
Pantera, Armored Saint, Wild Dogs

Progressive Metal 前衛金屬
風格有別于傳統重金屬,在歌曲中採用大量複雜華麗的編曲,或在歌詞中傳達出某些前進思想供聽者一個想像思考的空間。 代表性樂隊:
Queensryche, Fate Warning, Dream Theater
Speed Metal 速度金屬

速度為其標榜的主要特色。經常會和“鞭擊金屬”產生混淆,通常“速度金屬”的音樂較具旋律性,主唱歌詞咬字較清楚,吉他間奏富旋律性且快速而流暢;而“鞭擊金屬”則較缺乏旋律性,完全一速度、重量、壓迫感和破壞力並重。通常“鞭擊金屬”樂隊和“速度金屬”樂隊的樂手們都擁有純熟高超的樂器演奏技巧。 代表性樂隊:
Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage

Thrash Metal 鞭擊金屬
速度也極快,具有相當快速的反復節拍(riff),電吉他粗麻的音色刷出剽悍的和絃,極具破壞力及壓迫感的速踩雙大鼓,主唱粗暴狂吼式的唱腔配合電吉他快速的節奏急速地唱出幾無旋律的曲調。“鞭擊金屬”以來自三藩市灣區的重金屬樂隊最具代表性。 代表性樂隊:
Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exodus, Destruction, Kreator, Coroner, Overkill

歐 洲 金 屬 分 類
黑金屬(Black Metal):
1、啟蒙黑金屬:在八十年代初,英國的地下重金屬樂隊Venom(毒汁),在音樂中明確宣揚了對撒旦的崇拜、對戰爭的渴望,並且是由他們第一次將“Black Metal”這個名詞帶到金屬圈內,為日後的黑金屬樂隊指明了音樂方向;瑞典同樣出現了兩支啟蒙型的黑金屬樂隊,Bathory(以吸血女伯爵之名命名)和Celtic Frost(凱爾特人的霜凍),他們的音樂已經基本上具備了原始黑金屬的特點:粗糙、暴虐、邪惡!而Bathory的第一張專輯也被譽為是第一張黑金屬唱片。不能不提的是丹麥的Mercyful Fate(仁慈的命運),他們雖然對日後的原始黑金屬沒有什麼過多的影響,但是卻對歌特黑金屬、交響黑金屬、歌特金屬有著榜樣的作用。

2、原始黑金屬:原始黑金屬的故鄉是挪威,第一批挪威的原始黑金屬樂隊是1983年組建的Mayhem(故意傷害)和1991年組建的Burzum。Mayhem的1993年專輯《De Mysteriis Dom Sathanas》被日後很多新的黑金屬樂隊視為學習的典範,《De Mysteriis Dom Sathanas》是Black Metal歷史上里程碑般的專輯,是Black Metal最最偉大的專輯之一,這裏面就是最純粹的Black Metal。
在1992-1994年間,第二批原始黑金屬開始嶄露頭角,挪威有:Darkthrone(黑暗寶座,雖然Darkthrone1996年就已經組建,但他們正真意義上的原始黑金屬作品是1992年才發表的)、Satryicon(森林之神)、Gehenna(地獄)、Immortal(不朽)等等;瑞典有:Marduk、Dark Funeral(黑暗葬禮)等等;其他歐洲國家有:波蘭的Graveland(墳地)、奧地利的Abigor、芬蘭的Impaled Nazarene(被刺穿的基督教徒)、馬其頓的Baltak等。

3、交響黑金屬:在第二批原始黑金屬樂隊活躍的時候,另一種新式的黑金屬類型也在不斷地發展起來,那就是以大量的鍵盤演奏來襯托黑暗的氣氛,氣勢異常宏大的交響黑金屬。代表樂隊有:挪威的Emperor(皇帝)、Old Man's Child(老人的孩子)、Dimmu Borgir(霧中城堡);其他歐洲樂隊有:奧地利的Summoning(召喚)、烏克蘭的Nokturnal Mortum等。

4、歌特黑金屬:這類黑金屬主要是在原始黑金屬的音樂裏加入了歌特鍵盤、歌特女聲、並且注重視覺效果,代表樂隊有挪威的Dismal Euphony、義大利的Graveworm(墓穴蠕蟲)、英國的Cradle Of Filth(淫穢搖籃)。

5、維京金屬:這是一種以北歐維京文化為基礎的民謠式黑金屬,代表樂隊有挪威的Ulver(狼)、Enslaved、Einherjer、Borknagar等,瑞典樂隊Bathory中後期的作品。

6、旋律黑金屬:這是一種新興的黑金屬風格,和旋律死亡金屬的意思一樣,就是讓極端的音樂變得旋律動聽,代表樂隊是瑞典的Vintersorg、Witchered Beauty等。

7、黑暗金屬:這是黑金屬的一個分支,運用黑金屬的演奏手法及唱腔來抒發自己的感情,一般不含有惡魔崇拜,代表樂隊有挪威的Aeternus(沉睡)和芬蘭的Thy Serpent(巨蟒);德國的Crematory(火葬場);瑞士的Samael。

死亡金屬(Death Metal):

1、殘暴死亡金屬:歐洲的死亡金屬中心無疑是瑞典的Stockholm,所以無論是殘暴死亡金屬還是旋律死亡金屬,瑞典樂隊都是非常優秀的。歐洲的殘暴死亡金屬代表樂隊有:瑞典的Dismember、Defleshed、Hypocrisy、Gardenian;德國的Krabathor;英國的Carcass。

2、旋律死亡金屬:代表樂隊有瑞典的In Flames、Dark Tranquillity、At The Gates、Edge of Sanity、Sacrilege以及芬蘭的Amorphis。

3、前衛死亡金屬:代表樂隊是芬蘭的Sentenced。

4、歌特死亡金屬:代表樂隊是瑞典的Opeth。

黑死金屬(Black Death Metal):
這種音樂風格融合了黑金屬與死亡金屬,代表樂隊是瑞典的Dissection;芬蘭的Children Of Bodom。

毀滅金屬(Doom Metal)

1、傳統毀滅:代表樂隊是英國的Cathedral、瑞典的Candlemass、Skepticism。

2、歌特毀滅:代表樂隊是英國的My Dying Bride、Paradise Lost、Anathema;瑞典的Forest of Shadows、Cemetary、Tiamat;克羅地亞的Ashes You Leave,俄羅斯的Butterfly Temple。

3、死亡毀滅:代表樂隊是瑞典的Godgory;丹麥的Saturnus。

歌特金屬(Gothic Metal)

歌特金屬如果要分得話,也只能夠再分成傳統歌特金屬和交響歌特金屬。代表樂隊:瑞士的Lacrimosa;瑞典的Therion、Katatonia、Lake Of Tears;芬蘭的Nightwish、Yearning、Eternal Tears of Sorrow;挪威的Tristania、The Sins Of Thy Beloved、Theatre Of Tragedy;德國的Lacrimas Profundere、Evereve、Darkseed;荷蘭的The Gathering、Within Temptation;義大利的Lacuna Coil、Macbeth;奧地利的In Grey;葡萄牙的Moonspell。

另附:前衛金屬(Progressive Metal)
下面列舉代表樂隊義大利的Rhapsody、Lucaturilli(Rhapsody吉他手);芬蘭的Stratovarius;德國的Freedom Call、Blind Guardian。

什麼是Indie Rock 
放到音樂範疇中,Indie是一種態度,一種音樂人對於音樂創作的獨立態度,推而廣之,它同樣也是聽樂人對於音樂取捨的態度,我們聽音樂或多或少都是在慢慢形成自己的音樂取向,形成一種不受外界干擾的獨立態度,因此有必要時時Check Your Attitude,保持清醒頭腦。 聽一聽我推薦的Indie唱片,再看一看這些文字,你會對90年代至今的搖滾樂有更好的認識。 如果拿出一張90年代(尤其是90年代末20世紀初)的唱片,我們會比較容易判斷出一些典型的音樂風格,如Metal、Punk、Country、Folk、Dark Wave、New Age、World、Electronic等等,因為這些音樂風格的音樂實在是太讓人印象深刻並且各自特點也很分明,但是如果這張唱片並不是以上這些分明的音樂風格,那麼它很有可能就是Indie Rock。

Indie Rock脫胎於80年代的地下音樂和另類音樂,盛行於90年代至今,其所崇尚的DIY精神直接源自Punk,但是其音樂取向卻又雜糅各家,因此衍生出不少不同或是迥異的分支類型,所以你僅僅知道是Indie還不行,因為這個詞說明不了任何音樂上的東西,也就是說你從這個詞得不到確切的音樂感覺,所以你或許還要瞭解什麼是Dream Pop、Charmber Pop、Sadcore、Slowcore、Indie Pop等等,知道這些以後或許你還會有問題,如為什麼有的Indie Rock同時還會是Post Rock、Experimental、Neo-Psychedelia、Shoegazing、Lo-Fi這樣一些風格,如果再深入,你就會發現這些風格和Indie Rock實則有著千絲萬縷的聯繫。

好了,對於Indie的縱向橫向你都有所見解後,你的眼前就會呈現出一幅90年代後的搖滾圖景,或許還比較模糊,那是因為你還不瞭解其他音樂年代和90年代的關係,不要緊!對於音樂你只要窺其一角就已足夠你去花時間了,當然另一方面我們仍然需要適時地拓寬自己的聽樂範圍。

Indie Introduction
第一部分 Indie簡單介紹
Indie的稱呼取自“independent”一詞,被用在那些在音樂上堅持DIY(Do It Yourself)精神的樂隊以及那些低預算的小廠牌所推出的唱片。儘管最大的Indie廠牌會與主流廠牌有銷售方面的交易,但是這些Indie廠牌的對於音樂的Decision-Making還是擁有絕對的自主權,因此他們有更多的自由去發現那些不為主流聽眾所知的音響、樂感或是其他的富有情感的主題,然而另一方面他們推出的這些音樂也許並不會帶來和其音樂品味成正比的收益(即使是Indie廠牌其實也想在商業上能夠堅持,並不是為了音樂而全然放棄商業,這裏可以看出Indie是一個相對的稱呼)。

Indie Rock深深植根於美國的地下音樂(American Undergroud)和80年代的另類搖滾(Alternative Rock)。在當Nirvana步入主流後,這些American Undergroud 、Alternative Rock即行分化,一部分跟隨著Nirvana進入主流(同時也宣告整個Alternative Rock步入主流),而另一部分未能進入主流或是堅持獨立姿態的則便是Indie Rock,正因為Alternative已為主流,而這些樂隊所持的獨立姿態,因此其稱呼上就由Alternative而為Indie。Indie Rock是對Nirvana步入主流所產生的一種現象的回應,這種現象就是並不是所有的Alternative樂隊成功過渡為主流抑或是這些樂隊原本就不想。

但是你不能說所有的Indie Rock都不商業,比如當Indie Rock借助Punk而實現其商業化(這些樂隊風格好像叫做朋克復興“Punk Revival”)時,你就不要認真地去介意它是Indie還是主流。其實公認觀點一直就認為Indie Rock從就不會改變它的音樂取向而迎合主流聽眾,也就不可能成為主流聽眾的首選。這其中的原因也是Indie音樂的特點所決定的,如主流聽眾一直就認為這樣的音樂:太古怪和無知(too whimsical and innocent)、太不可思議(too weird)、太敏感和太憂鬱(too sensitive and melancholy)、太輕柔和太脆弱(too soft and delicate)、太空幻和太令人催眠(too dreamy and hypnotic)、太個人化和歌詞的潛在啟示(too personal and intimately revealing in its lyrics)、在製作上太低質和太低預算(too Lo-Fi and low-budget),在旋律和吉他Riff上太有棱有角(too angular in its melodies and riffs)以至於形成更所的分支,就拿吉他噪音來說就有好幾種不同風格(Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style)。

進入90年代以後,Indie Rock產生了很多不同的分支(比較為人熟知的有indie pop, dream pop, noise-pop, lo-fi, math rock, post-rock, space rock, sadcore, and emo),所有的這些Indie樂隊正是構建當今美國地下音樂的中堅力量。

第二部分 Indie Rock各分支(縱向)
Indie Pop
你可以把Indie Pop看作是一種更有旋律、更少吵雜以及更少焦慮的Indie Rock類型,它所折射的是地下音樂柔和、唯美的一面。Indie Pop的音樂更著重於聲音的融洽、音樂的編排以及歌詞的創作。在從Chamber Pop華美的管弦樂編曲到Twee Pop的簡單直率中,Indie Pop所包含的一切,其焦點或者說這種音樂的側重點一如都是歌曲多於聲響。

儘管Indie Pop和Indie Rock都信奉朋克的D.I.Y(Do It Yourself)精神,但是前者反對朋克的虛無主義態度以及音樂上的聲音碾磨處理。

Noise Pop
作為另類/獨立搖滾的一個分支,Noise Pop顧名思義就是有一些吉他回饋、音調不諧和聲音磨損包裝風格的流行音樂。它佔據了介於Bubblegum(<美俚>泡泡糖搖滾舞曲)和avant-garde(前衛音樂)的中點,是傳統流行樂創作手法和略富攻擊性的白色噪音(White Noise:用以掩蓋令人心煩的雜音)的碰撞結果。
當Noise Pop的旋律飄忽於渦旋吉他所營造的聲場中時,其音樂經常會給人一種朦朧、麻醉和催眠的感覺,當然Noise Pop可以是歡快活潑的,也可以是棱角分明、富有挑戰性的。

最早期的Noise Pop植根于the Velvet Underground的諸如回饋、失真等音樂實驗,然而更被公眾認同的Noise Pop起源樂隊是美國另類搖滾樂隊Sonic Youth和Dinosaur Jr.,是他們將搖滾樂構架與粗重的吉他失真融合在了一起。第一支正規意義上的Noise Pop樂隊則是the Jesus & Mary Chain,它以1986年的首張唱片Psychocandy崛起於地下,幾乎同一時期還誕生了可以說是最多產和最具生命力的Noise Pop樂隊Ya La Tengo,其首張專輯也於此時推出。

在80年代末,Noise Pop引發了英倫的Shoegazing(自賞)運動,自賞音樂更加內省,其旋律更加脆弱。在90年代,Noise Pop仍繼續對Indie Rock產生著重要的影響。

Slowcore
Slowcore
實在是以其音樂緩如蝸牛的速度而著稱,音樂的旋律與節奏始終給人一種游離、徘徊、緩慢推進的感覺,所有這些還都被樂器營造的厚重、昏暗的聲場所籠罩。儘管Slowcore有時會與類同的Sadcore糾纏不清,但是基本上Slowcore的音樂更加注重音樂多於注重抒情。

Sadcore
基本上Sadcore是另類/獨立搖滾的一個分支。Sadcore音樂是柔緩、脆弱和感人肺腑的,通常由失望的情感所激發並且也會使聽者感到一種傷感、失落。Sadcore的音樂都會集中在一些難忍的悲傷、失落、心碎等情感主題上,其自身則毅然決然地低調:作為Singer/Songwriter風格標誌的Acoustic Guitar在這裏被賦予全新內涵,然而Sadcore的音樂並不會去營造一些黑暗聲場下的不和諧或是強烈的音效。像American Music Club和Red House Painter這樣的Sadcore樂隊將他們痛苦和悲傷的情感融入其音樂之中,給人一種冷豔的淒美,一種很適合深夜獨自聆聽的音樂。

Dream Pop
DREAM-POP(
迷幻樂)是種“夢”般的流行曲,它有一種迷離的氣氛,多SYNTHESIZERS(電子合成器)造成,加了ECHO效果的電結他也是重要的成分,歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸聲重,歌詞也往往有夢般的詩意色彩。 代表樂隊有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲為首,代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。是一種更講求氛圍的另類搖滾類型,在音樂上聲響和旋律並重。這種音樂的特點是經常會有如呼吸般的主音並配以隨之漂移的吉他或是合成器所營造的氛圍音場。Cocteau Twins以他們的那種幾近無法辨認的主音和縹緲的音場被認為是Dream Pop音樂的典型,然而Dream Pop亦包括了一些其他不同的體裁分支,如還包括了像Galaxie 500這樣的後Velvet Undergroud吉他搖滾風格,還有My Blood Vatentine似的聲響回饋風格,但不管怎樣Dream Pop的音樂很注重音樂給人的聲響質感,而這種效果往往是用獨具特點的器樂和主音來達到。

第三部分 與Indie Rock相關其他音樂類型(橫向)
Post-Punk
1977年的朋克革命後,很多樂隊應運而生。這些樂隊都是被朋克的獨立精神所激勵,當然也包括了朋克原始粗糙的聲響。但是這些樂隊不是簡單地去重複像Sex Pistols樂隊那樣的音樂,他們將音樂的觸角延伸至更為實驗的領域,從諸如Roxy Music、David Bowie以及T.Rex這樣的樂隊音樂中汲取養分融入自己的朋克音樂中,這些樂隊即是我們所說的後朋克。這些樂隊音樂的共同點是反傳統文化精神和蔑視、顛覆既定的搖滾傳統,很多這樣的樂隊(如Joy Division或是The Cure)都採用電子合成器和吉他營造出黑暗陰冷的音場,還有一些樂隊雖然採用相對較輕緩的音樂處理,但是他們的歌詞和音樂則完全推翻傳統意義上的搖滾樂結構而凸顯失衡。後朋克樂隊最終在80年代轉變為另類音樂。

Alternative Pop/Rock
另類音樂原本泛指那些從80年代中期到90年代中期出現的後朋克(Post Punk)樂隊。儘管另類音樂有多種音樂類型,但是它們的共同點就是全都游離於主流(mainstream)之外。
從某些方面來說,以Nirvana樂隊在1991年的成功為分界點可將另類音樂分為兩撥:一撥是80年代的另類樂隊,這些樂隊當時都是在一些獨立音樂廠牌下,即使有些樂隊在主流廠牌下,但是他們往往得不到與公司其他主流樂隊同樣的支持,整個80年代的另類音樂包含廣泛,如jangle pop, post-hardcore punk, funk metal, punk pop, and experimental rock等;另一撥則是在Nirvana步入主流後,以上所說的各種另類音樂類型之間的界限便越發模糊,其原因就是此時的另類音樂已經是主流市場的一部分了(既然是主流了就無必要再細分各種類型),這其中的Hard Rock和有朋克根源的樂隊甚至比那些在80年代末期獨領風騷的偏流行的另類音樂還要商業化,這時的另類音樂完全失去了原有的非主流意義。90年代後大部分的實驗搖滾樂隊被歸入到Indie Rock。

Grunge

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