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音樂類型基礎知識(上)

什麼是HOUSE?
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。 這是芝加哥的DJ玩出的音樂, 他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓(Drum Machine)規律的節奏及黑人藍調歌聲混音在一,House就產生啦~ 一般翻譯為"浩室"舞曲,為電子舞曲最基本的型式,4/4拍的節奏, 一拍一個鼓聲,配上簡單的旋律,常有高亢的女聲歌唱. DISCO流行後,一些DJ將它改變,有心將DISCO變得較為不商業化, BASS和鼓變得更深沈, 很多時變成了純音樂作品,即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子,往往沒有明確歌詞。漸漸的,有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群島)、 RAP(說唱)或 JAZZ(爵士)等元素, 至八十年代後期, HOUSE沖出地下範圍,成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。
為什麼會叫"House"呢?就是說只要你有簡單的錄音設備,在家裏都做得出這種音樂~House也是電子樂中 最容易被大家所接受的. Cher唱的Believe 就是個好例子.而M-People可說是House代表團體.House舞曲在1986年開始流行後,可說是取代了Disco音樂
.

House可分為:
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid聲的House樂

Deep House 有著相當濃厚的靈魂唱腔,又叫作Garage,蠻流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage團體.
Hard House 簡單來說,就是節奏較重,較猛的
House.
Progressive House 這類House沒啥靈魂唱腔,反而比較注重旋律和樂曲編排.有一 點像"演奏類"的House樂. 像SASH!的專輯It''s My Life便是很好的Progressive House專輯
.
Epic House 就是"史詩"House. Epic House有著優美,流暢的旋律和磅礴的氣勢, 很少會有vocal在裏面(幾乎是沒有!). BT的音樂就是很棒的Epic House,而他也被稱作"Epic House天皇". 其實連Rock也有
"Epic Rock"
Trible House 想像一下:帶有非洲原始風貌或是印地安人的鼓奏的House是啥樣? 這就是Trible House~ 這種House除了有一般House穩定的節奏外,在每拍之間,會加入一些帶有原始風貌,零碎的鼓點. 蠻有趣的~ 不過,House的範圍太廣了,大家也不用硬要把一首曲子分類.這些只是告訴大家,House很多種"而已。

到了九十年代, HOUSE已減少了那前衛、潮流色彩,但仍是很受歡迎的音樂。

什麼是Britpop?
Britpop雖有個“ Pop"字,但其實是 Rock的一種,源于九十年代英倫,中文可譯為“英式搖滾”,這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應,主要是以樂隊形式出現。不過, Britpop風格其實十分廣泛,如 Oasis是結他搖滾樂隊, Blur則 Pop很多,而Pulp則接近 Glam Rook及跳舞風格,不過他們都被列作 Britpop。

英國 Britpop代表人物: Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead

什麼是 Trip-Hop?
Trip-Hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種,它的名字來源是“ Trip+ Hip-Hop= Trip-Hop”,因為它發源自英國的Bristol,因此最早時稱作“Bristol Hip-Hop”。由於把Hip-Hop(其實很多音樂都是架構在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他們多半是用Hip-Hop音樂來跳的。)節奏變慢(有時很慢很慢)加入一些迷幻的味道,如很陰沉,肥厚的Bass,輕微但迷幻的合成音效,或是些唱片的取樣,有時可能連唱片的雜音都會被“故意”取樣進去。所謂“ Trip”,指迷幻,氤氳的藥物【旅程】,所以, Trip-Hop是種慢板的迷幻的、有 Jazz感覺的、迷糊的、帶點 Hip-Hop節奏的 Break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類,但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。外國 Trip-Hop代表人物: Trip-Hop中公認的鐵三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut

什麼是 Gangsta Rap?
Gangsta Rap是 Rap的一種,以 Rap的內容多與都市罪案有關,充滿暴力、色欲感受,這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美國興起,音樂Rap中的強悍尖銳派,在美國大受歡迎,唱片銷路甚高。而不少 Gangsta Rap樂手本身真正“參與”現實中各式罪案,部分更因而入獄甚至死亡,可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。
Gangsta Rap化表組合: Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、
Geto Boys

什麼是 Synth Pop?
Synth Pop中的“ Synth”,即 Synthesizer,顧名思義, Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮製出來的流行樂”,當然除 Synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop於八十年代初期開始流行,至八十年代中開始沉寂,當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。Synth Pop的特點是科技感強,有時會頗冰冷,歌曲多是“三分鐘流行曲”(3-minutes Pop),很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。
Synth Pop代表組合: Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan

什麼是 ORCHESTRA ?
ORCHESTRA就是管弦樂團,它分成四部分: 1弦樂,包括小提琴、大提琴等, 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏(豎琴除外),四組演奏者由一人統籌兼領導,他就是樂團的指揮。ORCHESTRA於17世紀出現,到18世紀因海頓和莫札特的作品而清楚地建立模式。19世紀加入了些新樂器,樂團人數加大。 ORCHESTRA是西方古典/正統音樂的正宗。西方流行/搖滾樂也經常運用 ORCHESTRA的部分或全部團員協助演出。

什麼是 CHAMBER POP?
CHAMBER POP是指典雅、高貴、精緻的一種流行樂,它有一定的古典音樂感覺。 CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂,中文叫“室內樂”,是種小組弦樂演奏曲式,氣氛高雅。CHAMBER POP於九十年代興起,是對當時的 LO-FI及 GRUNGE的一種反應,強調優美的旋律、精緻的配樂、乾淨的錄音,每每多用弦樂、管樂製造巴羅克時代的音樂感覺。
外國代表樂隊有 THE DIVINE COMEDY, RIALTO, ERIC MATTHEWS及 BALLE &SEBASTIAN等

什麼是民歌( FOLK)?
民歌( FOLK) 原本是指每個民族的傳統歌曲,每個民族的先民都有他們自原始/古代已有的歌曲,這些歌絕大部分都不知道誰是作者,而以口頭傳播,一傳十十傳百,一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌( FOLK),大都是指流行曲年代的民歌( FOLK),所指的是主要以木結他為伴奏樂器,以自然坦率方式歌唱,唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音,所以普遍被認定是現代民歌( FOLK)的祖師。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS繼續推動這類音樂,六十年代越戰,反戰民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成為時代的呼聲。後民歌向 POP、ROCK及都市化發展, BOB DYLAN發明了 FOLKROCK、 SIMON &GARFUNKEL發展出中產口味的都市 FOLK POP,風行一時。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一種更富現在都市感覺的 URBAN FOLK(城市)/ CONTEMPORARY(當代) FOLK路線。民歌 (FOLK)在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌(FOLK)近年較新的發展是與 NEW AGE結合(如 ENYA),及與 TRIP HOP結合)如 BETH ORTON)。

什麼是 BOSSA NOVA ?
BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂, 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成,柔和、舒服、輕鬆、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第1、4、7、11、14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔, 50年代中期傳入美國後大受歡迎,其他著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等,最著名的歌曲為“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行,其餘年代亦不斷有捧場者。

什麼是 CLASSICAL POP ?
CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲,多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類,例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP,則是指經典的流行曲。

什麼是ACAPPELLA ?
ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲,但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA,不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法,連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL,即純音樂樂曲,任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”,香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。

什麼是 WORLD MUSIC?
WORLD MUSIC是西方角度觀點的辭彙,意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音樂,通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂,例如非洲及南亞洲地區的音樂,有些地區如拉丁美洲的音樂,則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE,東歐的DON BYRON,中國的朱哲琴,巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。

什麼是 NEW AGE?
NEW AGE是種寧靜、安逸、閑息的音樂,純音樂作品占的比重較多,有歌唱的占較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC(即以傳統自發聲樂器演奏)的,也可以是很電子化的,重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺,洗滌聽者的心靈,令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關,不少NEW AGE音樂說可以治病,也有不少與打坐冥想有關,這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關係。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂, WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司, NEW AGE代表樂手有 ENYA, GEORGE WINSTON, WILLIAM ACKERMAN, YANNI, KITARO等等。

什麼是Electrophonic Music?
何謂Electrophonic Music(電子音樂)?隨著時代的演進,音樂家有了更多製作音樂的方法。所謂電子音樂,就是以電子合成器,音樂軟體,電腦等所產生的電子聲響來製作音樂。電子音樂範圍廣泛,生活周遭常常能聽到,在電影配樂,廣告配樂,甚至某些國語流行歌中都有用到,不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰,沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。
電子音樂的類型也是多種多樣的,包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum''n''Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。

什麼是Techno ?
Technology, 即表示“高科技舞曲”啦!利用電腦,合成器合成,做出一些特殊音效,這種音樂常常是許多音效組合起來的。 Techno的節拍也是4/4拍,但速度較House快,且聽起來具重複性,較強硬,較機械化,所以某些人稱Techno為“工業噪音”,但某些還是會注重旋律的。 Techno起源於美國底特律,有三名DJ: Derrick May,Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合,而產生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常較平緩, 不像一般的Techno那樣強勁,可說是現代Techno的起源。

什麼是Ambient ?
聽起來起伏不大,但其實一直在做改變,像是長時間的音效, 或是漸進式的音樂編排等等,常會營造出有層次的空間感,所以被稱為“情境音樂”, 且常對於生活周遭的聲音做取樣,如人聲、汽車聲,甚至是其他音樂的旋律……等等。為70年代的Brian Eno所創,是一種很“高深”的電子音樂。後來Ambient也有分支,如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家從字面上就能瞭解,其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子,甚至某些古典樂中也有Ambient的味道。

什麼是Trance?
迷幻舞曲,由Techno演變而來,聽了會讓你有“出神”的感覺,但還是保有舞曲的律動,很注重Bass的表現,某些聽了會有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍為主。不過我也有聽過用Breakbeat的(下面會介紹),如Sven Vath的專輯Fusion。

什麼是Psychedelic Trance?
又名Goa Trance,發源於印度的一個小島上。Goa即為這小島的名字。旋律常帶有印度風味。這類Trance的特徵,就是很重視旋律,音符之間的細微變化,且常有重疊的旋律,和高亢的TB-303聲音出現。有點Ambient的味道。

什麼是Break beat?
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那麼規律,而是以破碎的節拍呈現,像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat只是一個總稱而已,有很多種音樂都屬Breakbeat,如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一種。

漫談NewAge

60年代末期,德國一些音樂家將電子合成器音響的概念融入原音演奏或即興表演方式,啟迪了許多新進音樂家運用更多元的手法開拓新的領域。該時期的音樂己具備了New Age的發展雛形。到了70年代,在一群藝術家的不懈努力下。New Age得以正名,他們把這種非流行、非古典、具實驗性質的樂風取名為New Age,它指的是一種“劃時代、新世紀的音樂”。90年代的今天,New Age音樂呈現出了更多樣化的風貌。樂界已形成一股百家爭鳴、各擁其妙的新勢力。正因如此,New Age不只是一個單純界定樂風區別的名詞,而是象徵著時代的演進、形而上精神內涵改良的世紀新風貌。

  到底New Age要怎麼去形容呢?就以古典音樂中的“四大要素”來歸納出New Age的特性吧!

1.節奏:
  New Age的節奏很多是存在于音樂自然的律動與音符的強弱之間。其實,大部分NewAge之所以要摒棄傳統的節奏,是因為有了鼓、貝司與打擊樂器,音樂的形態就會被限制死了,而New Age是自然而自由的,有著風一般的流線姿態。

2.旋律:
  New Age的旋律就與流行樂完全不同,其即興演奏的味道很濃。聆樂者不僅很難記住旋律,而且更不知道旋律會在什麼時候、什麼地方終止。這也就是New Age音樂結構賦予大家極大想像空間的原因之-。

3.和聲:
  New Age所用的和聲大部分是相當和諧的,不協和音在New Age裏使用甚少。這也是為何New Age聽起來予人非常祥和之感的原因。

4.音色:
  New Age的音色是透明的、神秘的,充滿朦朧氛圍,老實說,聽New Age聽到深處時,最大的享受之一便是音色的變幻。

  除了這音樂的四大要素之外,New Age最大的魅力就是賦予聆聽者一個極大的想像空間,你可以不受形式限制,自由地在無限的想像空間中馳騁。

摘自《發燒天碟》

新紀元音樂的由來

  在八十年代初,一位名叫米恰.鐘斯的加拿大鋼琴家寫了一本曲集。那裏收進的樂曲,都有很美麗的、畫面似的標題,例如《彩虹之後》、《夢境之外》、《陽光穀》、《太空蝴蝶》等。他在前言裏面寫了一個自己的小傳,說他曾想成為一個音樂畫家,後來,慢慢地,他找到了自己的音樂語言。這時侯,他不再追求用音樂去描繪什麼形象,而是表現感覺,那種靜夜裏雪花落下輕觸地面的感覺;吹過莎草的清風的乾燥呼吸的感覺;遠天閃電的折紋的感覺;傍晚的湖水拍打著岸邊的感覺……

  米恰.鐘斯的樂曲都很安靜,大多數都用一種音型不斷地反復著;和聲簡單,很少有複雜的不和協音響,似乎變格進行和調式風格更多見;旋律純樸,通俗易懂;音調的個性不強,有時甚至沒有旋律。聽著,聽著,你會忘了這是米恰.鐘斯的音樂,而是樹葉的悄悄細語。

  這位鋼琴家在一九八三年的時候遇到一家音樂出版公司的經理,這位出版商一直想推出一種新鮮口味的、適合人們在休閒時候聽聽的音樂。兩人一拍即合,不久米恰的作品便漸漸在美國流傳起來了。最初,這種音樂還不那麼起眼,各家唱片店的老闆又不知道該把它放在哪一欄裏,它像輕音樂,沒有什麼深奧的道理,可又有幾分古典音樂的風骨和氣派;它是通俗的,可又顯示著超脫的情調;它是易於流行的,但是卻沒有一般的流行音樂那麼平庸或騷動。有些唱片店就只好把它列在所謂最新到貨專櫃下,漸漸的,就成了氣候,港臺的一些刊物亦隨之改譯作“新紀元”或“新世紀”音樂。

  這種介於輕音樂和古典音樂之間的新樣式。它們大致上可分三大類。第一類是用自然樂器演奏的,包括一般聽眾熟悉的常規樂器,如鋼琴、小提琴、吉他等等,其中被用得最多的,一方面是接近東方樂器音色的樂器,如雙簧管、英國管等,另一方面,民間性質的樂器,如曼多林、手風琴、排簫等也常可聽到;有些演奏者特別喜歡東方的打擊樂器,如小鈴、大鑼和鐘等,現在還有些新紀元音樂家熱衷於把那些非洲的戰鼓等原始的樂器摻入他們的音樂中,第二類則是電聲樂器,它所製造的音響也偏重神秘的、飄渺的色彩,許多新紀元音樂家都是電腦音樂高手。第三類是前二者的混合。有些唱片商在製作這三類演奏形式時,往往還會加上自然界的音響,如鳥鳴林嘯、風聲鶴唳等等。

  在新紀元音樂唱片的專櫃上,還可以找到許多乾脆就是把維瓦爾第、考累利等古典音樂家的作品配上瀑布聲音作為“新紀元”音樂發售。這多少說明了這種新紀元音樂的宣導者們的意圖:聽著這種音樂,讓人仿佛置身於大自然之中,換句話說,就是忘記西方現代文明社會的喧囂和忙碌。因此,除了大自然之外,久遠而神秘的古代,純樸而素雅的民謠,也是新紀元藝術家們所熱衷的題材。恩雅之所以能夠走紅,正是因為她的歌適應了厭倦摩托時代的聽眾的需要。你怎會想到,一張發黃的小照作為封套的唱片,對於懷舊的人們竟有如此的魅力。

  一九八一年,有一位名為坡.文特的薩克斯的演奏家,更是身體力行:拒乘轎車,堅持吃素,最後躲進森林裏去,用他的薩克斯與狼對嘯。他被認為是“新紀元”音樂的教父,然而我們完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新紀元”音樂家們的作品,和早期的浪漫派音樂相比,難道不會使我們發現什麼有趣的相似之處嗎?我們在柏遼茲的《恰爾洛德在義大利》中所感受到的,不也是一種自我放逐的孤獨的快樂嗎? 能否把李斯特的《降D大調音樂會練習曲》放在“新紀元”專櫃上賣呢? 它也不正表現了人們面向大自然時的冷淡和安詳嗎? 瓦格納對16世紀騎士時代的緬懷,與恩雅的那些朦朧而神秘的歌聲,又有什麼不同呢? 

  的確,從反叛的角度而言,新紀元和浪漫主義有很多相似之處。音樂史上每一種新的風格,都是在時髦與反時髦的鬥爭中形成的。就像穩健的古典主義是對輕巧的洛可哥風格的反叛;感情至上的浪漫主義又是對崇尚形式的古典主義的反叛一樣,新紀元音樂是輕音樂領域裏的後現代主義思潮對傳統審美觀念的反叛。所不同的是,古典的也罷,浪漫的也罷,它們的反叛都是在傳統的審美範疇中進行的。儘管在風格上、思想觀念上有很多變遷,但二者的背後卻有著共同的哲學觀念,那就是對生命、對快樂的理解:生命屬於我們只有一次,應當活得崇高而有意義。平衡、和諧、安定是這世界上最完美的境界。然而二十世紀的哲學新潮--過程主義的擁護者們卻認為,過程和終極是對立的兩個哲學範疇。生活應當是生命的自由的過程,它是最實際的存在;活著,就應當努力去體會這過程。生命如果被外力---例如種種功名利祿的終極目標---所牽制,就被降低為機械而不自由的過程,這也就否定了生命的價值。因此,為著消除這種異化的最好的途徑,就是自我鬆綁,返璞歸真,改變傳統的以未來某個目標為生活中心的人生觀,把自己從功利目的中解放出來。

  伴隨著這種哲學,西方出現了反理性的藝術,它的主要觀點是,在作品中強調或為著建立一個終極目標--例如高潮或是中心--以及為此所作的種種努力,那是對藝術的本質的束縛。生命既是一種維護和擴展自己的過程,那麼和諧、安定、平衡便是不可能永久存在的。追求完美是不切實際的。

新紀元的特點

後現代主義藝術思潮在新紀元音樂中往往體現在如下幾個創作待征:

一、從平凡中尋找詩意

  米恰在他的曲集扉頁引用了巴勃羅.卡薩爾斯的詩:

     在音樂裏,在大海裏,

     在花朵裏,在樹葉裏,

     在每個善行,我見到,

     人們稱謂的上帝……

  這充滿宗教意味的詩點明了新紀元音樂家們的靈感的源泉:在他們看來,最微小的事物和最驚天動地的景象都是一樣的。他們也討厭人生倫理的教訓,恩雅在一首名為《天使》的歌中唱道:

     Here,all too soon the day!

     Wish the moon to fall and alter our tomorrow.

     i should know

     heaven has her way

     -each one given memories to own。

     偉大的奇跡,不*詞令,

     我會知道天堂的路程,

     每人都有自己的記性。

  因為價值觀念是社會強加於生命、強加於藝術的,它歪曲了它們本身的意義。因此,必須降低欣賞者對作品價值的期望。難怪“新紀元”的作品從不討論什麼重大社會問題,也不想給聽眾什麼重要的語義資訊,樂曲的音調都是那麼簡樸、平易。

二、淡化創作個性和技巧

  就像米恰不再刻意音樂形象的栩栩如生,而努力尋求自己的感覺的表現那樣,信奉過程主義的藝術家們認為,無論何種風格的藝術,無論對它所表現的事物有否變形,其目的無非是在於表現自己的感受而已。因此,為此而運用的創作技巧之精粗都是無所謂的。而大自然既是新紀元音樂的主題,面對它的究竟是誰就無關緊要了。坡.文特曾經說過:世人生在同一環境裏,你鄰居的嬰兒的哭聲和美國加利福尼亞的嬰兒哭聲又有什麼區別!因此,在“新紀元”的音樂裏,你聽不到刻意精雕,表現自己創造個性的寫作技巧,諸如複雜的聲部關係、精緻的和絃、主題的有趣的變形等。(所以,專業的作曲家很少有參加新紀元的興趣。)新紀元的音樂,都是渾然天成,即興式的。這種即興,又不是炫技華彩表演,而是偶感的自由流露。可以說,這是一種反個性的藝術,這也是它和浪漫主義在美學特徵上的區別。

三、發掘媒介作用 

  創作的技巧之淡化,使藝術家的注意力集中到表現媒介上。後現代主義的音樂家們熱衷於在力度、音色等方面加強刺激。他們在電聲樂器上發掘種種新音色或採用對西方聽眾說來並不熟悉的東方的樂器,歌手則喜歡用氣聲哼吟,使聽眾對這些音色感到陌生和神秘。有一卷在印度秦姬陵裏錄音的長笛,深沉的共鳴和交混的迴響形成一種十分奇特的音響,確實得琢磨一番,才能分辨清楚是什麼樂器。在一位名為林克的藝術家錄作的唱片裏用了中國的大鑼,讓它們的每個音餘音嫋繞回蕩十幾秒之久,而不同的音波又互相干涉,織成新的音響,聽起來就像廟宇裏的紫煙,經久不散。顯然,在輕音樂領域裏不可能像專業作曲家或爵士、搖滾那樣,以尖銳、巨大的音響振奮聽眾,新紀元的藝術家們正是以這種方式使聽眾處在朦朧中,籍以延長審美知覺的過程。

四、模糊時間進程上的層次

  傳統音樂中,有否清晰的結構層次,有否淋漓盡致的高潮似乎是人們評判音樂作品優劣的一個重要尺規。然而後現代主義既認為秩序--人們為著某種目的而必須遵循的法則--是對生命自由發展的一種束縛,那麼,起承轉合的結構都是人為的,因而也是虛偽的;為各段的素材確定某種對比關係,以及它們的戲劇式的展開都是沒有必要的。因為:

     在有真知灼見的人看來,

     香花和塵土是一樣的。

  在他們的作品中主要的手法就是平鋪直敍和反復。用一大段引子推出一個引人注目的開端、有鮮明對比的段落銜接……這些手法在“新紀元”音樂中都是不典型的。因為高潮是文明社會等級秩序和終極目標的集中反映,它是使生命為之扭曲的外力,異化了生命本身的運動韻律,應當從作品中砍去。因此,我們在新紀元的音樂裏聽不到令人神采飛揚、熱血沸騰的大起大伏,而是一種使人心緒寧靜下來的鎮靜劑。

  樂曲的終止又是一種終極目標,應當削弱,於是我們就聽到了在不斷反復中逐漸隱去,或是在不協和和絃上收束的結尾方式等等。 

  後現代主義體現在“新紀元”音樂中的這些美學特徵,對東方聽眾來說,並不是什麼新鮮的東西,其實都是東方的傳統審美觀念:不渲染、不激動、不精確等等美學特徵的翻版。人們在那不斷反復的平靜的音樂中調理自己的心情,使之忘卻日常生活裏所遇到的種種煩惱,從而達到超脫的作用。因此,我們又可說,新紀元音樂是用西方音樂文法寫的東方音樂。

  近年來,隨著新紀元音樂的影響越來越大,加入這個隊伍的藝術家也越來越多了,甚至搖滾樂也滲透了進來,這就給為新紀元音樂下定義帶來了困難。但不管怎樣,至少它給我們這樣的啟示:創新也罷、反叛也罷、未必都是呲牙裂嘴的,重要的是在於審美觀念的變化,新紀元音樂不正是以最溫和的形式把幾百年來的傳統美學觀念的核心給徹底反過來了嗎?

……沉浸在“新世紀”音樂營造的恬淡平和中,的確是一件美好的事

流行音樂(Pop)
  一種具有強烈節拍的現代流行音樂。一般認為,流行音樂有廣義和狹義之分,這裏的“波普”是指狹義的流行音樂,如 70、80年代著名歌手羅斯(Diana Ross)、裏奇(Lionel Richie)、惠特妮.休斯頓(Whitney Houston)、麥當娜(Madonna)、邁克爾.傑克遜(Michael Jackson)、普林斯(Prince)、珍妮特.傑克遜(Janet Jackson)等人演唱的很多歌曲。

靈魂樂(Soul)
  亦稱“靈歌”。1969年,“公告牌”用“索爾”來代替原來對“節奏布魯斯”的稱呼。它是由布魯斯、搖滾樂與黑人福音歌混合而成的一種黑人流行音樂,演唱時較少演奏樂器。索爾的著名歌手有詹姆斯.布朗(James Brown)、查理斯(Ray Charles)、雷丁(Ons Redding)、史蒂夫.旺德(Stevle Wonder)、普林斯(Prince)等。

迪斯可(Disco)
  discotheque的簡稱,原意為唱片舞會,起先是指黑人在夜總會按錄音跳舞的音樂,70年代實際上成了對任何時新的舞蹈音樂的統稱。與搖滾相比,它的特點是強勁的、不分輕重的、像節拍器一樣作響的4/4拍子,歌詞和曲調簡單。1977年,因澳大利亞流行音樂小組“比吉斯”(Bee Gees)的電影錄音《週末狂熱》在美國掀起迪斯可熱。迪斯可經常在錄音室進行音響合成,製成唱片,但終因節奏單調、風格雷同,于80年代初逐漸被其他節奏不那麼顯著、速度稍慢的流行舞曲所代替

藍調的分類
現代藍調 (Modern Blues)
現代藍調是一個廣泛的概念,包含所有現代的藍調藝術家們,他們雖然未能見到傳奇的老派藍調藝術大師,但遵循了他們的步履。現代藍調既用原聲吉他,又用電吉他,結合從搖滾到流行到民謠的多種元素。有些藍調純粹主義者或閉門造車的音評人會說現代藍調只是些簡單的模仿者;但他們實際上在尊重過去藝人的基礎上融會了創意、天賦和更現代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被認為是獨特的藍調復興主義者(1990 年他直升飛機遇難而亡),其後又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。

跳躍藍調 (Jump Blues)
在搖擺年代,大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和“布吉沃吉(Boogie-Woogie)鋼琴”全部結合起來,成為“跳躍藍調”。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時,更強調了旋律。Slim Gaillard 則“說”唱出另人捧腹的超現實主義歌曲(通常是關於食品),而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調,同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕鬆的 Nat Cole 的爵士三人組影響,用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調(R&B)和搖滾使成為美國派對的主流音樂,後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。

口琴藍調 (Harmonica Blues)
由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 宣導——然後由 Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版,而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中,Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。

電子藍調 (Electric Blues)
只要插了電,就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標誌,它也同樣以電貝司為標誌——拾音器(用來放大原聲樂器的一種裝置)被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。

三角洲藍調 (Delta Blues)
三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏,是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters,口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲,通常獨奏,也有一些小的組合,如 Willianson 的各種組合,也曾有過灌錄。

經典女性藍調 (Classic Female Blues)
女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith,她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性,但同樣真實地反映了她們的生活與關係。

鄉村藍調 (Country Blues)
是一種起源於美國南方和中西部的大部分由原聲吉它演奏的藍調。鄉村藍調利用了從早期的滑音吉它到指撥演奏的獨奏、二重奏和絃樂合奏。先鋒者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 創導了這種現已不存在的風格。以後的電子吉它使之平穩地轉變成電子和現代的鄉村藍調。

綜藝藍調 (Vandeville)
在綜藝表演的最初年代,眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出(頗具諷刺意義的是,他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲)。因為主流的排斥,黑人藝術家們組成了自己的圈子,在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇碼。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等,但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾,於是加入了戲劇和舞蹈的成分,使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於顛峰狀態。

城市藍調 (Urban Blues)
城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。“城市藍調”一詞最初是為了與鄉村藍調區別,到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣,包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。

德克薩斯藍調 (Texas Blues)
德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代,很大程度地從鄉村音樂過度,只是濾去了鼻音。它節奏鬆散,也稱“德克薩斯拖拍”,在拍子後面拖擺一點。歌詞方面,擺脫了“強作愁”的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律,一把吉他而不是吉他合奏。然而,德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化,主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影響,他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後,T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕鬆的德州傳統。
 

沼澤藍調 (Swamp Blues)
因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地,用口琴、吉他演奏,出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果,沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim,活潑如 Lazy Lester 的口琴。

靈魂藍調 (Soul Blues)
一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物,靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂,靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線,又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。

鋼琴藍調 (Piano Blues)
各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏,只要是用鋼琴演奏的藍調,那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的範疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。
 

紐約藍調 (NY Blues)
成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開,當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。正當呐喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂,Erskine Hawkins 和 Eddie “Cleanhead”Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。

新奧爾良藍調(New Orlean Blues)
顧名思義即知,藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子(英語“藍調”blues有憂傷的含義)。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律(尤其是倫巴)和一些美國南方音樂色彩,只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕鬆休閒,也可捶胸跺腳地豪放,有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人,用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。 

孟菲斯藍調 (Memphis Blues)
當 W.C. Handy 寫“Memphis Blues(孟菲斯藍調)”時,他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的 Beale Street 初生,從眾多“陶瓶樂隊(jug band)”和綜藝表演衍生而出,Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗曠而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法:主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——這種方法至今已成為標準方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格,是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲,對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。

爵士藍調 (Jazz Blues)
爵士藍調有著堅實的藍調根基,但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品,到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調,還有 Ray Charles 的激情蕩漾而又博采百風的鋼琴藍調。

民謠藍調 (Folk Blues)
民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響,被許多人認為是美國最原創的音樂。儘管早期美國藍調也同樣的深入大眾,但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來,而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。
 

原聲藍調 (Acoustic Blues)
不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究(五弦琴)到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲(Delta)、新奧爾良、德克薩斯、等等;也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的,還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。
 

早期美國藍調 (Early American Blues)
這一範疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片品質通常並不那麼理想,但充滿著深切感情,繞梁三日.

淺談古典音樂
古典音樂被很多人認為深奧難懂,許多人都不敢或者說是不願意接受古典音樂;許多願意嘗試接受它的人又不知如何開始欣賞古典音樂。其實對待古典音樂,未必每個人都要象學者般研究它,也未必要具有高深的音樂知識。只要肯嘗試接觸,就是非常好的開始。只要喜愛古典音樂,隨著接觸的時間增加,自然你就知道如何欣賞學習了。一個古典音樂的愛樂者,在接觸音樂作品時應該具備的基本概念是:人類的藝術是一種需要經過瞭解、溝通,才能夠真正進入欣賞層次的心靈活動,美術、建築、雕刻、音樂皆然。不可諱言的,這當中必定得花去一點兒時間做些功課才行,惟很多入門的人才一聽到要做功課,就立刻打起退堂鼓來了。其實,做音樂功課是一點兒也不困難的,也沒有什麼太大的麻煩,一般來說,淺顯的認知即已足矣,只要手上擁有簡述樂派風格的資料或書本,從中獲知各樂派音樂風格的特徵即可。
 首先,你需要一本很好的音樂辭典等工具書,如:“外國音樂辭典”、“古典音樂欣賞”、“音樂聖經”、“CD指南”等。以便對西方音樂史、作曲家等有一初步的認識,瞭解西方音樂史不同時期的各種流派的劃分,主要作曲家及代表作。

 中世紀時期(MEDIEVAL PERIOD)(1450年前)。這個時期以教堂音樂為主, 大多是單聲部音樂,如格裏高利素歌(GREGORIAN CHANT)等,由於時間的久遠, 人們已經無法知道具體的作曲家的姓名。

 文藝復興時期(RENAISSANCE PERIOD)(1450-1600年)。這個時期是人類藝術的再生,音樂的理論及實踐得到極大的發展,以聖經故事為主,創作了大量的教堂音樂,彌撒曲、安魂曲等。

 巴羅克時期(BAROQUE PERIOD)(1600-1750年)。這一時期音樂有了長足的發展,產生了一批偉大的音樂家,如J.S.BACH,G.F.HANDEL,A.VIVALDI等。

 
古典主義時期(CLASSICAL PERIOD)(1750-1820年)。這一時期作曲家按曲式與結構方面的某些基本傳統概念作為表達樂思的自然構架,F.J.HAYDN。W.A. MOZART,L.BEETHOVEN是這一時期的傑出代表。

 浪漫主義時期(ROMANTIC PERIOD)(1820-1910年)。最廣義地講,從古典主義時期到浪漫主義時期的轉變,可以說是從共性到個性的重點的轉移。這一時期的風格與技術的變化可以清晰地在三方面看出:一是和聲,變化音迅速發展;二是樂隊;三是樂器演奏技巧。另外的一些變化如旋律風格的變化(小型曲式更為抒情,大型曲式更為華麗);節奏風格的變化(節奏更為誇張);以及曲式上的變化(更 多地追求織體的前後連貫,主題更加“有機”地發展和演化)。可以說這是音樂史上百花齊放的時期,這一時期造就了無數的作曲家。

 20世紀及以後(1900-現在)。這一時期產生了新古典主義、新浪漫主義、印象主義等流派。

(採納二樓建議)作補充:
 中世紀時期(Medieval Period)(1450年前)
 這一時期主要是羅馬天主教會所保存的在教堂中廣為演唱的單聲部歌曲集。大多用於兩種禮拜儀式:一是彌撒,歌詞為紀念基督最後晚餐及其獻身事蹟,這是教堂儀式的中心;二是日課,就是修道院每天詠唱的八課聖事,主要以詩篇為主。 推薦:GREGORIAN CHANT

 巴羅克時期(Baroque)(約為西元1600—1750)

 這一時期的音樂是現代演奏會的先河。作曲家手下的巴羅克音樂帶有顯見的特性: 華麗、複雜、藻飾、扭曲, 著重于超現實和雄偉宏奇, 這些特質都能彼此融會貫通。如果說文藝復興時代(以及後來的古典時代)代表著井然的秩序和澄澈的表現, 那麼巴羅克時代 (及後來的浪漫時代)就是代表著騷動、不安和疑慮。四聲部的和聲, 以及加上文字指示和絃的「數位低音」 (figured bass) 都產生於巴羅克時代;舊有的教會調式消逝, 大小調音階系統和沿用至今的相關調性之崛起, 是巴羅克時代大事。另外, 節奏思想也在這個時代萌芽, 也就是在音樂曲譜中加入小節線。這些形式日後直接衍生為奏鳴曲、交響曲、協奏曲、前奏曲與變奏曲。不過巴羅克時代也不乏一些自由的曲式--如觸技曲、幻想曲、序曲和主題模仿(古幻想曲) 。

 古典主義時期(Classicl)(約西元1750—1820)
 因為這一時期的三位代表性人物:海頓,莫札特,貝多芬的生活與創作主要都在維也納,因此又被稱為“維也納古典樂派”或“維也納古典主義音樂”。此時期作家中,莫札特的小夜曲、嬉游曲等都很具親和力。海頓的第一、二號大提琴協奏曲也會是很適合入門者欣賞的曲目。至於貝多芬的作品,轟轟烈烈的音響俯手可得,個人比較欣賞他的小提琴奏鳴曲《春》、鋼琴奏鳴曲《悲愴》、《熱情》、《月光》。

 浪漫主義時期(Romanticism)(約為西元1820—1900)
 這一時期的音樂更注重表達人的精神境界與主觀感情,對自然景物的表現也愈加突出,創作上對民族和民間音樂的利用更加重視與頻繁。19世紀中後期出現了以振興本民族音樂為己任的民族樂派。在音樂體裁上出現了新的器樂獨奏體裁,如夜曲,即興曲,敍事曲,諧謔曲,幻想曲與無詞歌等。此時期作品風情萬種,各自獨具特色,入門曲目有舒伯特藝術歌曲精選、《美麗的磨坊少女》;蕭邦夜曲、鋼琴協奏曲第二號;孟德爾松小提琴協奏曲、鋼琴協奏曲第一、二號;華格納歌劇序曲集;布拉姆斯交響曲第一、三號;柴可夫斯基小提琴協奏曲第一號、鋼琴協奏曲第一號;拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲第二號、《帕格尼尼主題與變奏》;拉羅《西班牙交響曲》;拉威爾鋼琴協奏曲G大調。

 20世紀的作品有布列頓的《青少年管弦樂指引》、《小交響曲》,斯特拉文斯基的《保欽奈拉》、《彼得洛希卡》,以及普羅科菲耶夫的鋼琴奏鳴曲第七號、鋼琴協奏曲第一號。在此推薦德國作曲家亨德密特的《韋伯主題交響變奏曲》、《畫家馬席斯》交響曲,以及美國作曲家科普蘭的《馬術競技會》、《一個平凡人的號角》。 

搖 滾 樂 分 類 
給博大精深的搖滾樂分類其實是很愚蠢的,也是片面的、主觀的。不過這裏分類整理的目的是方便大家對搖滾樂有一個大體上的瞭解。

硬搖滾(Hard Rock)
60年代初由布魯斯發展起來的一種搖滾樂風格,具有比較強烈的吉他失真,吉他比較複雜,主音吉他成分較多,布魯斯味比較濃。最早的搖滾樂隊如ROLLING STONES,The WHO,BLOOD SWEAT & TEAR等,以及後來的LED ZEPPELIN,AC/DC,CHEAP TRICK等可以說是硬搖滾樂隊。硬搖滾與重金屬通常不太容易區分,不同的人有不同的區分方法。有人認為70年代以前的叫硬搖滾,70年代以後的叫重金屬;有人認為吉他失真小一點的是硬搖滾,吉他失真強一點的是重金屬;有人認為頭髮半長不短的是硬搖滾,長頭髮的是重金屬;還有人認為美國樂隊是硬搖滾(美國人把METALLICA叫做硬搖滾樂隊),其他國家的就是重金屬;我的看法是節奏吉他表現力比較弱的是硬搖滾,節奏吉他的riff表現力強且成為歌曲主導力量的是重金屬。不過也沒有必要區分的這麼清楚,硬和重,都是我們喜歡的音樂氣質啊。

重金屬(Heavy Metal)
60年代末由布魯斯和硬搖滾發展起來的一種搖滾樂風格,具有金屬質感的吉他失真和反復的吉他riff是重金屬最主要的特徵,重金屬涵蓋的範圍非常廣泛,而且類別繁多,是70年代以來搖滾樂最大的一個分支,也可以說是最正統的搖滾樂。典型樂隊包括BLACK SABBATH(第一支重金屬樂隊),MOTORHEAD,IRON MAIDEN,SLAYER,BATHORY,DEATH,DARKTHRONE等等。重金屬與硬搖滾通常混為一談,參見硬搖滾。重金屬這個詞曾經被濫用過一時,80年代不少流行金屬甚至流行搖滾都被冠以“重金屬”一稱,不少人就此被誤導。在我們這裏,重金屬具有更為廣泛的意義。但有時“重金屬”這三個字也專指那些最典型的重金屬樂隊如OZZY OSBOURNE,ACCEPT,JUDAS PRIEST等,他們通常很難劃分到任何一個派別中去,只好乾脆就稱之為重金屬。

金屬(Metal)
由於80年代流行金屬甚至流行搖滾的氾濫,“重金屬”這個詞被用得過濫,一提到重金屬,人們首先反應到的是BON JOVI,GUNS 'N ROSES這樣的樂隊,仿佛他們就代表了重金屬音樂。於是有不少樂隊和樂迷開始反感“重金屬”,他們開始將那些更為核心和更為硬朗的重金屬音樂稱為“金屬”樂,也就是說,“金屬”比“重金屬”更重和更硬朗。不過後來這個詞漸漸成為一種氣質的象徵,從而變得更為抽象而不容易解釋,這是一種思想、形象、音色、編曲上的綜合特徵。譬如我們可以說早期的METALLICA金屬味就比較濃,而後來就幾乎沒有了;我們也可以說在80年代流行金屬中,WASP是比較金屬的;還可以把BLACK SABBATH稱為金屬樂隊,而LED ZEPPELIN我們頂多能說是一支重金屬樂隊;JUDAS PRIEST,IRON MAIDEN,OVERKILL等都是具有強烈金屬氣質的,而AC/DC,DEF LEPPARD,SLAYER的金屬氣質就弱一些(因為他們分別帶有較強的布魯斯、流行和朋克意味);死亡金屬是極端金屬中最metal的,因為Grindcore朋克味濃,黑金屬的音色太髒——總之,這確是一個難以言傳的詞。

酸性搖滾(Acid Rock)
即迷幻搖滾,盛行於60年代中、後期,是嬉皮士運動的產物之一。其音樂特色是震耳欲聾的強烈節奏、尖厲響亮的電吉它單人或雙人演奏。不同於重金屬搖滾,迷幻搖滾沒有一定的曲式,即興演奏的成分較多,其無旋律的音調變化多端,常常富有精彩華妙的表現。"酸性"(acid)一詞是迷幻劑LSD的俚語代名詞,酸性搖滾因為具有狂熱的迷幻音樂特點,故有其名。

雷鬼(Reggae)
一種由斯卡(Ska)和洛克斯代迪(Rock Steady)音樂演變而來的牙買加流行音樂。事實上,很難在洛克斯代迪和雷鬼之間劃出明確的界限。只是後者較前者更為細膩,更多地使用電聲樂器和更加國際化。如果說斯卡音樂還只是在美國流行音樂的影響下產生的一種拉美流行音樂的話,那麼雷鬼則已發展成為歐美搖滾樂主流中的一種重要體裁了。起源於牙買加,70年代中期傳入美國。它把非洲、拉丁美洲節奏和類似非洲流行的那種呼應式的歌唱法,與強勁的、有推動力的搖滾樂音響相結合。

藝術搖滾(Art Rock)
於70年代後流行,主要在歐洲,英國人領頭,如“穆迪布魯斯”(Moody Blues)樂隊,但在美國也有影響。藝術搖滾把搖滾與古典音樂結合起來,利用電子設備演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品,又稱“進步搖滾”(Prosressive rock)。一種試圖將古典音樂融入其中的搖滾樂。其特徵為:結構較為龐大,和聲語言較為複雜,並常借用古典音樂中的主題作為素材。 "藝術搖滾"於60年代興起於英國的一些受過古典音樂薰陶的搖滾音樂家中間。"披頭士"樂隊的《佩普軍士孤心俱樂部樂隊》概念專集唱片被認為是"藝術搖滾"的先驅。 70年代中,美國也出現了類似的傾向。"艾莫森、雷克與帕爾莫"(Emerson, Lakeand Palmer)樂隊將穆索爾斯基的《圖畫展覽會》改編為搖滾樂;Yes樂隊在《接近邊緣》中運用了古典奏鳴曲式。著名的美國樂隊還有"紐約玩偶"(new York dolls),"路.裏德"(Lou Reed)和"帕蒂.史密斯"(Patti Smith)。他們不強調搖滾樂與古典音樂的表面聯繫,而注重音樂邏輯的嚴密與音樂素材的簡練、統一,並由
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