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混音藝術

 

從理論上說,混音應該是非常簡單的事情:你要做的只是調節一些旋鈕,直到所有的聲音聽起來都很好即可。但是一般可沒有那麼好的運氣。混音對於混音工程師來說,其難度簡直可以與演奏一件樂器那樣困難。
因此我們深入混音,來仔細分析混音中的每一個步驟。

參考專輯 你可以從分析一些頂尖的混音師和製作人的優秀作品開始
這些「大師」包括:Bruce SwedienToger NicholsShelly YakusSteve Albini以及Bob Clearmountain等。

先不要將注意力放在音樂上,而要注意其中的混音。

你要盡力聽出每一件樂器的聲音,甚至是「牆壁的回音」,因為音樂中的每一個元素都有其自己的聲學空間位置;同時還要注意音樂中頻率響應的平衡,你要盡量使得聲音有足夠的高音部分但又不刺耳,還要有充足的低音來進行鋪墊,但不要變成一團渾水,當然保證一個清晰明顯的中頻段也是必須的。

一種最好的混音參考工具就是一台CD唱盤(像CD pro-2)和一張混音非常精彩的參考CD(在搖滾樂CD中,我最喜歡的一張要算Tom PettyThe Heartbreakers的專輯Damn the Torpedoes,其精彩之處就在於無論你是使用什麼樣的音響系統來播放它,它的聲音都非常的好)。將CD唱盤接到你的Mixer上,然後經常地將你的混音作品與參考CD進行比較。如果你混出的聲音顯得有些呆板、刺耳或是引不起人們的興趣,那麼你就要仔細監聽並且分離出產生這些不良的信號。一張參考CD也可以在許多方面對你有指導作用,例如鼓聲、人聲和其他聲音的相對音量等。

觀察Mixer的表頭,使參考CD中樂曲的表頭與你混音作品的表頭盡量相同(使它們的峰值信號在表頭上一樣高)。
這時如果你作品的總體音量聽起來很小,甚至當它的峰值電平已經超過了參考CD的電平值時也是如此,那說明參考CD中的音樂一定已經經過了很好的壓縮處理,使整首樂曲的動態差異不致太大。

事實上,壓縮永遠是你進行混音時必須要做的事。同時,一個正規的工作室應該都擁有至少一台一流的壓限器(Limiter),如著名的1176LA 2AWave L2 和一名一流的使用者。

適當的監聽音量,太大的聲音會使耳朵感到疲勞
較低的音量會使你的耳朵一直處於「靈敏」狀態且不易疲勞;大的混音音量可能讓你的全身熱血沸騰,但是這樣不利於察覺到聲音中的細微變化。

許多音樂工作室都有噪聲的問題,因此混音時使用耳機似乎是個不錯的辦法。儘管耳機對於捕獲那些在音箱中不易聽到的細節來說是非常優秀的,但它對於混音來講還不能說是最好的選擇,因為它會過分誇大樂曲中的某些細節。因此,用耳機來檢查而不是用耳機來混音是最好的方法。

不要讓設備「弄髒」聲音。在開始錄音時就要為混音做準備。

獲得優秀混音關鍵的要素就是在錄音時保證各軌聲音的乾淨。將信號源與錄音機之間所有沒用上的設備都搬走,錄音過程中的大多數情況下,都應該打開「bypass(直通)」開關,不給信號加任何效果,而保持信號的"原汁原味"。如果可能的話,最好直接將聲音信號直接錄進電腦中(對於麥克風,這時要使用一個高檔的前級),而將Mixer也放在一邊。

對於單一的音色,你可能聽不出直接錄音和過Mixer及其它設備有什麼差別,但是一首樂曲是由許多的軌構成的,各軌聲音中不"乾淨"的成份疊起來肯定影響到混音的清晰程度。
編曲配置編曲時就應該考慮混音的問題。

個人音樂工作室中的典型問題是『很容易將作品搞亂』。在早期配器時就將音樂的結構塞得滿滿的,這樣隨著錄音的進行,你已經沒有空間來加入新的想法了。

記住一點:音符越少,每一個音符給人的印象才會越大。正如Sun Ra曾說過的:「空白也是一種表現」。

還有一些很好的建議

當配器過於臃腫了,一個較好的辦法是重頭對樂曲進行剪接。
許多人的做法是在工作室邊錄音邊寫歌,因此對於歌曲的感覺通常都是暫時的,即興的。
因此刪除一些東西可以使樂曲簡潔又好聽,並使你對樂曲的總體有更清晰的想法。

試著用歌手的演唱或是其他的旋律樂器來建構一首歌,而不是節奏部分。
先簡單地錄一些鼓、貝司和鋼琴等來確定節拍與小節數,然後錄Vocal並盡可能的剪接到完美。
這時你再來編配節奏軌時,你就會對人聲的細節十分敏感,因此也容易感覺到應該在何處加強節奏的力度,在什麼地方讓節奏部分保持沉靜。

包含了數字音頻功能的工作站軟體,可以讓你在加入過多的音軌前,先錄好Vocal軌。這樣聽著Vocal來進行配樂,你編出來的曲子就會和人聲貼得更緊。

混音12步。

雖然對於錄音和混音來說沒有什麼一定的原則,但是開發出一套自己的混音步驟,可以告訴你混音工作應該從哪下手。

在混音中你會花大量的時間來進行各式各樣的調整。

關於混音我們這裡列出了12個(最低數量!)主要的步驟,而混音中最難的地方卻是這些步驟之間相互影響。當你改變EQ的同時,音量也會發生變化,這是因為你對聲音中的某樣樂器進行了提升或是衰減,它會影響到其他的樂器。事實上,你可以將混音當成一組「音頻密碼」。當所有的數字都呈現黃金比例時,那麼你成就了偉大的作品。

讓我們一起來看一看這12個步驟,但是你要切記一點,這只是某一個人關於混音的見解,你很可能需要一套完全不同的但卻是最適合於你的混音方法。

1步:做好準備

混音可能是一件非常單調而乏味的事情,因此要設置一個高效率的工作空間。
如果你沒有一張舒適的椅子,那麼你最好到附近的辦公用品店去一趟。準備紙和筆記本,以便進行記錄
將燈光調整得暗一些,使你耳朵的靈敏度高於你的眼睛,還要讓自己興奮起來,開始你的「旅行」。

要定時進行休息(例如每隔4560分鐘),讓耳朵得到放鬆並保持一個清醒的頭腦投入工作。
如果你是在錄音室中進行工作,那麼這種休息就顯得太奢侈了,但是這種兩三分鐘的休息卻可以讓你客觀地進行判斷,使你的混音得以迅速地完成。

2步:回顧音軌

先使用較低的音量聽聽音軌中有哪些東西,然後記錄音軌的資訊,並使用即時貼或是可以擦的筆簡要地標明哪一個聲音對應Mixer上哪一路。最好按照一般的邏輯習慣來組合聲音,例如將所有打擊樂器的聲音都放在Mixer上相連的路中。

3步:帶上耳機清除瑕疵

檢查錄音細微的瑕疵是一件需要用到"左腦"的理性行為,這不同於用"右腦"的感性混音工作。如果大腦在這兩種性質不同的工作中跳來跳去一定會阻礙創造力發揮,因此進行正式的混音之前,要盡可能地做好清理工作--消除錄音中的雜音、彈錯的音符以及其他類似的東西。這時你可以戴上耳機,單獨播放每一個音軌來捕捉錄音中的每一個細節。

如果是對MIDI音軌進行混音,那麼此刻你應該做的工作無疑是減少多餘的控制器信號,消除重疊的音符,刪去單音樂器中多餘的聲音(例如貝司和銅鈸的聲部)。

整理錄磁帶上(包括數字式磁帶和模擬式磁帶)的音軌,先將它們轉錄到硬盤錄音機中,進行一些數位的編輯和降噪。雖然一些細小的雜音單獨聽起來不會引人注意,但是將一二十軌疊在一起後,那些令人反感的聲音就會原形畢露了。

4步:優化所有MIDI音源

如果要對MIDI進行錄音,最好先在MIDI樂器內部對聲音進行優化。例如,聲音要更明亮,最好在電子樂器中提高該音色的低通濾波器截止頻率,而不要使用Mixer上的等化器。

一個重點:使用電子樂器時,將輸出音量打到最大值,這樣做的好處是可以得到最大的動態範圍。
如果需要的話,你可以在Mixer上對電平進行調整。當在特殊場合需要改變合成器輸出電平的時候,可以使用7MIDI控制器資訊,但是一定要保證合成器中的最大音量值(控制器7號值)為127(或是非常接近127),總之儘量別在Mixer上對合成器的音量進行調節。

如果你將Mixer的音量推到最大,而又將電子樂器中的控制器7號值設置為32,那麼你作品的動態範圍一定會大受影響。

5步:在每軌間建立相對的音量平衡

混音進行到現在仍不要忙著加入效果,這時可以專注於各軌組合在一起的整體聲音,而不要再被左腦所處理的各種細節問題所干擾。對於一個優秀的混音來說,各個音軌獨自的聲音應該是非常棒的,但當組合在一起相互作用時,聲音應該更好。

進行整體聆聽時最好先切入到單音色方式,如果各軌的聲音錄得很清晰的話,那麼在單聲道中它們將比在立體聲中表現得更加明確。

注意:如果一開始就用立體聲來試聽,那麼各軌中彼此衝突的地方就不容易聽出來!

6步:調整均衡

等化器(EQ)可以用來突出不同樂器的特徵,並使得聲音在整體上更加平衡。

首先;對歌曲中最重要的元素進行加工(例如人聲、鼓和貝司)。

當這些元素都在一起了,再著手處理其他聲部。

音頻頻譜只有一定的寬度,而每一種樂器又都要在整個頻譜範圍內佔據其自己一塊區域,因此當各個樂器的聲音組合到一起的時候,它們將填滿整個頻譜(當然,如何填滿頻譜,首先;取決於樂曲的配器,但均衡也在其中起一定的作用)。

混音時先從鼓組下手的一個原因就是一套鼓(從低聲部的大鼓到高聲部的銅鈸)可以很好地覆蓋整個音頻頻譜。一但鼓組安排妥當,你就可以開始琢磨如何將其他樂器融合進去了。

對一個音軌進行均衡操作時會影響到其他的音軌。
例如,提升鋼琴中頻部分可能會影響到人聲、吉他以及其他中頻段樂器的聲音。有時候對某一樂器的某個頻率進行提升,還會導致該頻率處其他樂器被削弱的現象。為了使得人聲更為突出,試著在其他樂器中人聲頻率所在頻段進行衰減,而不要一味地用等化器對人聲進行提升。

你可以將歌曲想成是一個頻譜,然後決定各個聲音座落在什麼位置(也就是其較突出的部分)。
在混音過程中使用一台頻譜分析儀,並不是因為耳朵不能夠勝任工作,而是頻譜儀提供一個絕佳的耳朵訓練,同時還會極為精確地顯示樂器在聲音頻譜中的位置。
一台分析儀會提醒你在某個區域的音壓的異常情況。

如果你真的需要那種突破型或是說爆發型的聲音,那麼可以試著將1 KHz3KHz的頻段進行少許提升。不要對所有的樂器都使用這一方法,因為其目的是要用提升(或是衰減)操作來將一種樂器的聲音與其他的樂器區分開來。

要想在混音中造成聲音像是從較遠的地方發出來的感覺,那麼你只要使用低通濾波器就可以了,不必非使用主等化器。若你是使用高通濾波器對吉他、鋼琴這些有低頻轉移傾向的樂器進行濾波,那麼會對這些樂器的低頻段產生修減作用,可以使貝司、大鼓這些低頻中的重要成分都得以充分地展開。

7步:施加基本信號處理

基本並不意味著只使聲音變,因為效果處理也是完整聲音的一個部分
(例如,如果echo回聲效果的回聲落到了音樂的拍節上,就有可能改變節奏特徵,而distortion【失真】會將更加激烈地改變聲音,等等)。

8步:創建立體聲音舞臺

現在到了將樂器安排在立體聲的舞臺的時候了。
目的可能是傳統的(也就是說,重現一個現場演出的情景),當然也可能是非常前衛的。
不管怎樣,為單聲道的樂器安排音場位置時,要避免將音場設置得過於靠左或是靠右。
出於某些原因,過於極端的信號聽起來可能會不夠真實。

由於低頻聲音的方向性不如高頻聲音明顯(即通常說的低頻無指向),因此可以將大鼓和貝司的聲音放在中央。

無指向的聲音放在中央

還要考慮到平衡的因素,舉個例子來說吧,如果你將hi-hat(富含高頻諧波成分)安排在了右側,那麼就應將tambourineshaker或是其他的高頻聲音安排在左側。這種概念對於中頻段的樂器也同樣適用的。

信號處理器也可以將單聲道的信號改變成一個立體聲的圖像。
辦法之一就是使用有時間延續功能的效果,如使用【立體聲合唱】或是一個【較短的延時】。
舉個例子,如果一個信號的音場在左側,那麼將該信號的一部分施加短延時(515毫秒)後再發送到另外一個音場為右的通道中,當然 ,用貼的也行。

當你進行這種操作時,最重要的就是要確認混音監聽在這時是處於單聲道狀態,這是由於將效果聲和直達聲進行混音時有可能導致聲音相位的抵消,而在立體聲情況下你可能聽不出這種現象。

延時輸入可以從Mixer一路的直接輸出口或是中斷點插入口取得,你也可以使用一個“Y”型的電纜將信號分成兩路,一路直接進入Mixer,另外一路發給延時效果器,再將延時效果器的輸出接到Mixer的另一路上,但對音質影響較大。

另外一個技巧則要使用等化器了。將一個信號發送到兩個分離的聲道上去,但是對它們實行不同的均衡處理。例如,將一個聲音送到一台立體聲圖式等化器的兩個聲道中,將一個聲道偶數段的頻率全部減弱,而將另外一個聲道奇數段的頻率全部減弱。

立體聲的設置會十分有效地影響我們對聲音的感受。讓我們來對人聲進行加倍,讓一個歌手演唱一段,然後非常細緻地將歌聲進行一次加倍。

試著將這兩個聲音輸入音場相對的聲道中,這時兩個歌聲將結合到一起,並使音場聽起來是位於中央。

這樣產生的處於中央位置的聲音會給人一種十分平滑的感覺,尤其是對於女歌手來說非常有效。

這種音場相對的人聲會表現出更加準確與清晰的音質,對於一個好的歌手來說更能體現其優秀。

9步:在編曲上進行最後的改動

應該使樂曲中互相競爭的成份儘量減少,這樣才能保證聽眾的注意力全部集中於曲調之上,而不使你的作品聽起來亂哄哄的。你可能為你添加的某些效果而驕傲,但是如果這種效果不能夠很好地融入樂曲,那麼別無選擇--去掉它。相反的,如果你發現樂曲不需要某種特殊的聲音,那麼這就是你再疊錄入 一兩 個音軌的最後時刻。在音樂最後完成之前不要沉迷於欣賞你暫時的工作成果。

切記:盡你最大的努力在混音中保持一種客觀的工作態度。

你可以通過去掉或是加入某些特殊的音軌來在混音時改變樂曲的配器。
這種混音方式對於大多數舞曲風格的音樂作品來說是一種最基本的工作方法。
這時,可以不斷反復地播放一段音樂,然後不斷地切換各路的靜音鍵和變化主音量,你通過Mixer就可以編配出一首舞曲音樂。

10步:整體空間

現在我們已經將音軌都設定為立體聲的,接下來就要將它們安排到一個聲學空間中了。

從為輔助輸出口外接一台效果器並選擇一個精彩的混響開始,然後再對選中的音軌增加混響和/或延時效果,為一個扁平的聲場創造出一定的縱深空間。通過開大一個聲道的輔助輸出並稍微地降低其音量,你就可以將一個音軌的聲音放置到聲場的後方。

通常情況下,你將會對整個樂曲使用混響,以建立一種特殊的聲學空間(俱樂部、音樂廳、禮堂等)。
然後對某一個單獨的音軌再使用一次混響效果,例如對Tom使用一個gated reverb。但是要注意一點,如果你為了將一個聲音做好而不得不將混響效果加到最大,那麼你最好將這一軌重新進行錄音。

11步:百尺竿頭,更進一步

此時此刻,混音已經有了大概形狀了,接下來就該進行微調了。
如果你是使用自動混音,那麼就開始編寫你混音的每各動作吧。
切記上面的各個步驟都是相互影響的,因此你要反復在均衡、電平、立體聲位置和效果之間進行調整。
監聽的標準要盡可能地嚴格,如果你沒有將那些給你帶來麻煩的東西除去,它們就可能會在你試聽混音時像幽靈一樣來搗亂。

直到得出滿意的結果前,你這時所做的工作對於混音來說都是十分重要的,可以說是關係到混音生死存亡的大問題。但你千萬也不要因此而神經質,進行混音也可以說是進行表演,如果你要求得太細,就可能會失去那些能增加刺激感的東西。

一個不甚理想但卻傳達了熱情的混音作品,聽起來終究要比一個精細準確但卻缺乏靈氣的混音要有意思得多、吸引人得多。

出於保險的目的,不要總是反復刪除再重新進行你的混音,當你第二天再聽昨天的混音時,可能會突然發現這版混音正是你夢寐以求的。

事實上,你可能自己都說不出你不同混音版本之間到底有多大的差別。

一位非常有經驗的錄音師曾經告訴我說,他對同一首歌曲縮混了十幾個版本,因為他堅持每一個混音版本中都有應該改進的地方,並且這些改進還是非常重要的。

當幾個星期之後他再聽到這些混音時,結果對大多數的版本他都分辨不出它們之間的差別。

因此,注意不要在進行改動上浪費過多的時間,你可以在幾天後再去處理這些問題。

一個重要的技巧就是當你感覺捕獲到了最滿意的混音結果,你就應該馬上過帶出幾種不同的版本,例如只有伴奏音樂的版本、只有背景而沒有獨奏樂器的版本等。

這些不同的過帶版本很可能在將來某個時候派上用場,例如你突然有機會將你的音樂重新用在一部電影或電視中,或是要將它改編成舞曲,那麼你就會事半功倍了。

12步:在不同的系統中檢查你的混音結果

在你停止混音之前,先在各種各樣的耳機和喇叭上聽一聽,並且用立體聲來聽,也用單聲道來聽,同時還要試驗大音量播放和小音量播放有什麼不同。

人耳的頻率響應是隨著音量的改變而改變的(在音量較低時,我們聽到的高頻和低頻成份均較少,而中頻較多【A加權】),因此如果你僅在較低音量的情況下進行監聽,則你的混音一定會在正常音量播放時顯得低頻過重或是高頻過於明亮。

因此你應該儘量做到在所有的音頻系統上聆聽你的混音時感覺都不錯。如果你的混音是針對於某一系統的,例如電腦喇叭,那麼你可以考慮就用這種音箱作監聽來進行混音。如果你不能做到這一點的話,也一定要在一個能夠代表將來用途的系統上進行試聽。

在一個家庭音樂工作室中,你有充分的理由暫時放下手中的混音工作,等到第二天再來,而其中的這段時間,你可以到處去試聽你的混音結果,看看還需要將哪幾個旋鈕再轉一轉。

一個最常用的小技巧就是將不同版本的混音分別試聽,看哪個聲音最像你在汽車中聽音樂的感覺。
因為道路上的雜訊將會掩蓋掉所有細微的東西,只留下那些最能打動人的聲音。

另外我也建議你有可能的話最好到專業的大型錄音室中去試聽一下你的混音結果。

如果在各種條件下你的混音都非常精彩,那麼你的任務才算完成了。

讓自己變為聽眾

你可能會發現一個問題,儘管你辛辛苦苦地進行演奏,不厭其煩地編輯每一個片段,但是你卻從來沒有從欣賞音樂的角度來聽過自己的作品。

現在,混音工作已經結束,是該款待一下自己的時候了。

打開最終的混音,不要再去"庖丁解牛"般地分析音樂中的成分,僅僅是去聽音樂。

假裝你正在大街上散步,突然聽到了有人在放音樂。你這時對音樂有何看法?

當然,你大概認為自己根本就不可能完全照上面所說的那樣做。

但是事實上只要儘量放鬆,你還是會得出一些結論。

你可能會認為它真是棒極了,或者是認為它與你開始動手時的想法已經相去甚遠。

如果你對一個獨特的混音作品的感覺在幾個月或是幾年以後發生了改變,不要過於大驚小怪。

你的品味在改變,並且你在混音方面的知識、經驗也在不斷豐富。但是只要你按照這些步驟一步一步來的話,你就會為你經過千辛萬苦創建出的作品感到欣慰--你已經從你的辛勞中得到了應有的樂趣。


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1:關於自動混音

現有的一些器材具有自動功能,它可以使精細的混音操作變得十分方便。

當然,也有一些混音工程師無視這些有利條件,堅決抵抗自動混音,他們認為這些自動的操作會破壞他們充滿靈感的對音樂的把握。

並且,現在也沒有哪一條法律條文提到說混音工程師必須要使用自動混音。

有一位曾經與我合作過的混音師,他工作非常努力,不厭其煩地調整著電平、均衡和混響,到了最後進行縮混的時刻,他能閉著眼睛準確、及時地調整好推桿的位置。
他進行混音時使用的是一台八軌的設備,他將手指全部分開,以便能夠分別控制每一軌的推桿,並且能做到及時、準確。這種工作的挑戰性是顯而易見的,但是不可否認,這樣作出的歌曲很活潑、不呆板。

但實際上很少有人能嚴格地訓練自己以掌握這種混音的高難技術。

因此適當地使用自動混音就成為了一種很好的選擇。
現在的一些混音裝置可以將你推推桿或轉旋鈕的動作記錄下來,然後在混音過程中自動完成控制。

另外,在一些電腦音頻工作站中,你甚至可以為音量或音場的變化描繪精確的包絡線。所以對於大多數操作者來說,自動混音仍是一種最為方便地實現自己混音思路的工具。

另外,使用一些小手段也會使混音更加容易。

例如要突出一種聲音,除增大音量外,改變均衡的設置也可以得到非常好的效果。

在獨奏樂器演奏時,你可以試著提升高頻段和中頻段。

另外在進行淡出時,有時候你可以通過給某一種樂器的聲道施加更多的混響,使這種樂器的淡化速度快於其他的樂器。

無論你如何去做,都要保證混音的活潑性和對聽眾的吸引力,但是保證這一點也不是非常容易的。

甚至片刻的改變就會對最終的重播產生巨大的影響。

不要出於對某種效果器的偏愛,就不管合適與否一味地使用它;使用效果器是要讓聲音增添更多的變化,使音樂作品的吸引力更大。

保持電平一直在"跳舞",不要對進行嘗試有任何畏懼心理。

- 2:關於結尾淡出

一個優秀的淡出可以說是歌曲中的關鍵所在。讓我們假設你用一段很長的器樂演奏作為歌曲的結束。

一種選擇就是讓聲音的音量保持四個小節,然後用八個小節將其漸弱淡出。

當然,一個淡出不一定非得是連續的。你可以讓漸弱有一些波動,比如每兩拍將推子拉下一點。

線性的淡出可不是最好的選擇。而凹入型的淡出,尤其適合於那些非常長的聲音,它可以引發聽眾一直想不斷聽下去的渴望。

最初的急速衰減告訴聽眾要仔細聆聽了,當他們的心被你抓住之時,你則將漸弱慢慢延伸到結尾。還有另外一種情況,就是凸起型的淡出,相比之下它的聲音就有些突兀,在音樂的感覺上讓人有些不知所措,不知你要何去何從。

一個返回式的淡出是指在你將某些聲音漸弱的過程中,又突然很快地將聲音推大,然後再真正地將其完全漸弱。這種小把戲可以在你製作的音樂中用上一兩回,它們的確會給你的作品帶來一些變化。

應用這種方法最好的例子可能就是,當一首歌曲漸漸淡出到零電平時,突然又以最大的音量重新奏起,然後再徹底淡出。

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